Apuntes de Cinéfilo

2012-02-12T20:14:00.001-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Bendita costumbre de tomar hartas fotografías cuando se realiza una película.

Entiendo que en el ambiente a eso se le llama “foto fija”. Hay varias definiciones, pero se puede definir como el proceso de hacer una foto de la filmación, de preferencia en el mismo ángulo de una toma ya realizada, para que la foto se vea igualita a la escena que aparecerá en la película.

A la hora de intentar reconstruir una película, resultó una gran virtud.

Ya he hablado sobre London After Midnight: la proclamada película muda perdida más famosa del mundo. En su rastreo hay de todo, desde curiosos carteles en español hasta unos chavos que formaron un grupo con ese nombre, “se escucha cool, ¡vamos a hacernos llamar así!”.

Pero ¿qué tipo de película era? ¿Era buena, un churro, estaba en la medianía de las otras películas de Lon Chaney? ¿O es mejor que jamás lo sepamos?

Hay quienes han intentado resolver ese misterio de varias formas. Por ejemplo, echarle un vistazo al guión es una opción. Pero por mucho que Guillermo Arriaga tire patadas y haga berrinches, el guión a simple vista no dejan de ser un montón de papeles a los cuales nuestra imaginación le puede dar vida en la mente…pero nada más. Ahí es donde entra el esfuerzo que realizaron en Turner Classic Movies, el TCM.

En el 2002, apoyándose con decenas de fotos fijas, se realizó un intento de recrear la película. El argumento es, digamos, sencillo: un hombre es encontrado muerto, tiene una nota de suicidio y cinco años después el misterio es resuelto. Se le encargó a un experto, Rick Schmidlin, la reconstrucción. Dicen los que saben que fue bien recibida por los conocedores. El papel de Lon Chaney no parece muy lucidor, de hecho hace dos papeles. Eso sí, su vampiro es memorable (dicen que fue la segunda ocasión en que aparece uno en la historia del cine, el primero fue el siempre insuperable Nosferatu).

La película original sigue perdida. ¿Estará en alguna parte? Yo pienso que sí, en algún rincón, donde menos se espere. De repente brotan por ahí posibles versiones de fragmentos recuperados, ¿cómo saber si son reales o no? En tanto, para los interesados en el cine silente y en Lon Chaney, el acercamiento a la versión de TCM es una opción.

LA PIEL QUE HABITO

2012-02-05T17:16:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

¿Qué hacemos ante la pérdida? ¿Llorar, resignarnos, perdonar?

Esas no fueron las alternativas elegidas por el personaje de Banderas. Aquí, hay dos elementos: una nueva interpretación de la palabra venganza y la obsesión por recuperar lo amado. ¿Es sádico el doctor Ledgard? Sin duda, pero no es su propósito. No se detiene a pensar. Sólo actúa. Almodóvar hace que sus personajes tomen decisiones por encima de aquello que llamamos normales morales. No creo que alguien después de verla vaya a querer hacer lo mismo pero tampoco se descarta. Elegimos no porque una película nos diga qué hacer o nos justifique. El albedrío es nuestro justificante.

Hay un experimento que sería interesante realizar. Si animáramos, por ejemplo a Carlos Reygadas, a que su siguiente filme lo firmara otro. Él lo dirige, lo escribe etc. etc. pero a la hora de montarlo y publicitarlo creamos alguna especie de testaferro y le ponemos su nombre donde diga “director”. Ya después de tres o seis meses de reseñas y elogios (en el supuesto que los haya) de repente ¡sorpresa!: “fíjense que no era él sino yo, Reygadas, es que hizo ese filme”. ¿Y qué con eso? Nada más, es un experimento. El propósito es medir la reacción del crítico y del público.

Llevo unos años preguntándome qué juzgamos: la película o los nombres.

Confieso que no he visto los 21 filmes que Almodóvar lleva hasta la fecha pero, tras ver La Piel que Habito, quedé con la sensación de haber visto un filme Almodóvar, éste Almodóvar, el que está montado en hacer un cine maduro, oscuro si se le quiere ver así, donde las pasiones, el deseo, el amor y los rincones del comportamiento humano continúan formando la base medular de sus historias. ¿O qué querían? ¿Que Banderas siguiera haciendo papeles como los de Átame o La Ley del Deseo?

Habrá quienes extrañen los personajes tortuosos de barrio español o mujeres de estética cutrelux. Reviso lo que ha hecho Almodóvar últimamente y no, no vimos eso en Volver ni en Los Abrazos Rotos. Lo que hay son buenas historias, personajes bien tratados, excelentes actuaciones, música y canciones elegidas con exactitud, fotografía impecable. Quizás podamos denostar a Almodóvar pero no es cine desperdiciado. Ahí hay cine. Nada más.

Todavíalos críticos no saben qué hacer con La Piel que Habito. No saben si es thriller, ciencia ficción o humor negro de extraña ambigüedad. Yo no me detengo en eso. Se puede hablar de evolución en el trabajo de un director con base en lo que vemos en pantalla y en Almodóvar es innegable. De ahí a tratar de encasillarlo, no sé cómo.

En realidad no me preocupa.

DEMIÁN

2012-01-29T21:01:00.002-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Créanme que de haber visto en directo la nominación yo le hubiera hecho como Condorito.

Lo vi después - no tardaron en retransmitirlo en los noticiarios - y toda la semana fue Demián Bichir para acá Demián Bichir para allá. Demiándemiándemiándemián. Y él, pues, se dejó querer.

“Who is this guy?”, dijeron en Estados Unidos. “Joder, ¿pero quién es ese tío?”, dijeron en España. Y aquí…aquí dije “en la madre”. Ahora, ya hasta lo sacan enel New York Times. Por fin en Gringolandia se están enterando que uno de los rivales de George Clooney y Brad Pitt no es un improvisado o un accidente del destino.

La primera pregunta es ¿qué le vieron a Bichir? Será que uno ya está acostumbrado de tantos años (a veces tenemos una extraña complicidad con la gente de fama, uno va creciendo y envejeciendo con ellos). Lo recuerdo vagamente haciendo papelillos en las telenovelas de Televisa que ahora tanto parecen avergonzarle pero se me quedó trabado en el recuerdo desde Rojo Amanecer para acá. Yo no he visto la de A Better Life, ni me enteré si llegó a la cartelera aquí donde vivo, pero supongo que no tardan el ponerla, aprovechando la euforia.

¿En qué lo hemos visto? Ha sido cholo en Tijuana, marido con matrimonio en crisis, Fidel Castro, Zapata, Hidalgo, boxeador, documentalista, boliviano que quiere largarse a Estados Unidos. Creo que no hay papel qué reprocharle. ¡Ah!, y cómo olvidarlo siendo Tomás en Sexo Pudor y Lágrimas (me vale un cacahuate que los dizque sabiondos del cine la menosprecien; su irrupción en cartelera fue un acontecimiento y un momento personal que atesoro, ¿verdad Moni y Mine?).

La onda está así: Demián Bichir no necesita del Oscar, él desde hace tiempo ya la hizo. La nominación es el fruto de todos los años en que se la ha partido. Si lo gana, se le abrirán nuevas puertas. Si no, para el resto de su vida será un “actor nominador al Oscar”. Sé que sobran quienes están echando pestes de que se le haya escogido ¡y por encima de Leonardo DiCaprio! Bueno, a lo mejor mi opinión cambia después pero por lo pronto ¿qué daño le hace a México su nominación?

Dicen que a veces es medio mamón, que se las da analista político y ahorita de gran impulsor de la reforma migratoria (aunque ¿por qué no aprovechar el momento?), a lo mejor siempre hace el mismo gesto de las cejitas levantadas. Pue que. Por lo pronto – y hasta que ocurra algo de imponderable y mayúscula proporción – sólo me queda algo por decir: ¡BI-CHIR! ¡BI-CHIR! ¡BI-CHIR! ¡BI-CHIR!

7 SOLES

2012-01-22T18:45:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Este mundillo de hacer comentarios sobre películas es hipócrita y contradictorio.

Algunas cintas, por cualquier cosita, son condenadas a arder en los más oscuros y profundos rincones del infierno. En contraste, como si fuera divas, caciques o el Púas Olivares, a otras se les perdona todo. “Sí, está medio rara, pero ¡capta el concepto, el genio del director! ¡Pura vanguardia!”.

En el caso que nos ocupa, entro en la segunda categoría: qué importa que parte del elenco no sepa actuar si lo valioso está en la historia.

Y claro que no me refiero al desempeño de Gustavo Sánchez Parra ni a Evangelina Sosa. ¡Qué se les puede reprochar! Son profesionales y convincentes. Tampoco al enorme esfuerzo de producción para encontrar locaciones adecuadas, recrear vestimenta, filmar en el desierto, hacer real la sensación de estar en manos de un par de polleros.

¿Se fijaron en algunos diálogos? ¿Son reales, convincentes? En ciertas partes parece de episodio de La Rosa de Guadalupe o de cualquier otro estereotipo de telenovela o de plano de obra de teatro escolar. La metamorfosis de El Negro de simple pollero al hombre cruel y sin escrúpulos para luego retornar a ser humano como que no es de creerse. Es una falla de guión, nada más. La actuación y el contenido lo compensa.

Intenté localizar comentarios sobre esta película pero internet no me dio para más, sólo algunas reseñas y menciones de participación en festivales, y lo poquito que encontré o cero comentarios o todo muy amable. Como que no hay quien seanime a meterse con una de indocumentados. Pensé “a lo mejor en algún lugar habrá quien no tenga misericordia”. Pero ni máiz.

En mi caso, en cuanto terminé de verla, mi opinión ya estaba formulada.

7 Soles vale por el esfuerzo de su realización. Nos recuerda que, diariamente, ocurren esas travesías de tortura en la frontera México-estadounidense. Destaco el manejo de cámara de Vladimir Van Maule. Pedro Ultreras tuvo un gran acierto al colocarlo como el responsable de las imágenes. Es más, todo el resto del equipo hizo lo suyo y muy bien.

¿Les parece exagerado lo que se ve en la pantalla? Pregúntenle a la raza que lo tuvo que hacer para llegar a los Estados Unidos. No, mejor aún. Crucen con un pollero a ver si les parece tan divertido.

STALLONE: EL HOMBRE DE CINE QUE SE NOS FUE

2012-01-15T17:40:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Era un hombre que tuvo un duro inicio en su carrera como actor. Alguien en verdad con ganas. Actuaba, escribía, dirigía. Y de pronto…se esfumó.

¿En qué momento perdimos a Sylvester Stallone?

Revisemos. Según consignan los que saben - o dicen saber – tuvo que hacer de todo, incluyendo una película porno, allá por 1970 (tenía más o menos 24 años y se encontraba en la vil chirria). Durante ese lapso hasta 1976, cuando se estrenó Rocky, tuvo algunos papeles que ahora resultan curiosidades. De puro accidente vi buena parte de No Place to Hide y no me pareció mala. A la distancia, ver a Stallone amenazando a Woody Allen o robándole la cartera a Jack Lemmon se ve divertido. Quién iba a pensar que ese tipo alto y mal encarado llegaría a ser algo más que un extra entre los extras.

Contra lo que algunos piensan, Stallone sabe escribir y es capaz de hacer un guión completo. Un día, inspirado, hizo uno sobre un boxeador fracasado que recibe una oportunidad. Lo bautizó Rocky Balboa. Resultado: un cañonazo en taquilla, nominaciones al Oscar ( la película ganó tres) y ahí tienen a medio mundo tatareando la rola de Bill Conti. Cuando la estrenaron sólo Talia Shire y Burgess Meredith eran los de nombre afamado, después, no hubo en la farándula quien no reconociera el apellido Stallone.

Vinieron películas que no son malas como FIST, Halcones de la Noche y Escape a la Victoria. Stallone se colocó en la silla y dirigió Paradise Alley y Rocky II (como secuela es buena). Llegó Rambo pero, ojo, me refiero a la que se llama originalmente First Blood, y es un drama, una película que vale. Dirigió a John Travolta en Staying Alive y no estuvo mal.

De pronto, llegó Rambo II, y en algún momento se dio cuenta que le redituaba más hacer películas con mucha acción y menos guión. Así se quedó, hasta la fecha. ¿Llegará el momento en que le den ganas de retornar a las raíces y sentarse a escribir una historia sobre el drama de la existencia humana? Después de Los Indestructibles lo dudo mucho pero que no se pierda la esperanza.

Por supuesto, a Stallone le importa un rábano lo que yo u otros digan. Con una cuenta bancaria como la suya pensaría igual.

CUANDO TODO ESTÁ PERDIDO

2012-01-08T14:21:00.003-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Conozco a un reportero de televisión que procuraba guardar parte de su trabajo o archivar video que, para él, podría tener un valor en el futuro. Un día, dejó de hacerlo.

“La verdad, estoy cansado”, me respondió un tanto cuanto decepcionado. “Empecé almacenando en ¾, en mi casa lo hice en VHS de lo que grababa de la televisión; con los años, en el trabajo pasamos a formato digital en DVCPRO y hace como dos años entramos a la alta definición. Los cassettes de ¾ ya no los puedo reproducir, no hay videocasetera que funcione en la oficina, se llevaron las reproductoras de DVCPRO y nomás dejaron una que otra. En alta definición la única opción es pasarlo a discos pero yo no estoy autorizado para hacerlo. Quise empezar a guardar algunas cosas pero me dijeron que estaba quitando espacio y varias veces me desaparecieron material que intentaba apartar para mis reportajes, así nomás, sin explicación. ¿Quién fue?, quien sabe. No tiene caso, ahí que se las arreglen”.

Todo esto viene a cuento porque, recientemente, estaba revisando algo de información sobre el director John Ford y descubrí que, al menos eso dice Wikipedia, la gran mayoría de sus primeros filmes están perdidos, incluyendo The Tornado, el primero en que actuó. ¿Dónde están, dónde quedaron? Es cierto que antes el cine no era un arte sino un producto de consumo y se produjeron muchos filmes que después fueron a dar a la basura, se echaron a perder o simple y sencillamente se extraviaron. ¿En qué radica la importancia de un filme y por qué preservarlo?

Ya en este espacio he abordado la búsqueda de la Filmoteca de la UNAM para localizar diez filmes que considera relevantes para la cinematografía mexicana. En el mundillo internacional no hay película perdida más famosa que London After Midnight. Hay por ahí la versión que no está tan perdida, que sí hubo quienes la vieron en los setentas y que incluso ya pasó en la tele (ojo, sólo como aclaración: TCM tiene en su catálogo a London After Midnight pero, según las fuentes, lo que transmitieron fue una versión hecha con fotos fijas, no el filme original).

Supongamos que un día aparece, ¿se acabará el mito y descubriremos que no es la gran película sino su valor recae en que no podemos verla?

En cuanto a mi amigo el reportero, un día noté que en su casa ya no tenía un montón de periódicos que guardó durante décadas. “¿Los tiraste?”, le pregunté. “No, me llevé todo y lo doné a una universidad para su archivo”.

Uf, al menos. Todavía hay esperanza.

PEDRO

2012-01-01T19:02:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Dicen los que saben que luchó por hacer del cine mexicano un lugar mejor para quienes se aferran a que siga existiendo. Dicen que luchó hasta donde pudo por tener su propia carrera y quitarse el lastre de ser el hijo de fulano de tal. Dicen que le encantaba la vida que le tocó vivir. Si no fueras tú ¿te hubiera gustado ser Pedro Armendáriz Jr.?

¡Que no era un improvisado, entiéndeme por favor! Te digo que su carrera fue larga, muy larga y no siempre fue de papeles elegantes y grandes producciones. Yo fui de los que vieron en el cine Camino Largo y Tijuana y ahí estaba, sacando adelante con los demás la película, como esa hubo otras con presupuestos modestos pero mucha entrega. Digo, ¿cuántos papeles son posibles en más de 100 películas? ¿Por cuántas etapas de nuestra cinematografía le tocó pasar?

No faltará quien exprese con toda su mala leche “era un junior, cómo no iba a hacer papelillos gachos en películas hollywoodenses”. Ahh, bueno, hizo cine en Estados Unidos y coproducciones internacionales. Como dijo Lucero “¿yyy?”. Estaba en los foros con su papá, no veo qué tiene de malo que empezara haciendo papeles chiquitos de extra, ya luego le tocó aparecer con su propio nombre en el cast. Como su papá, salió también en un filme Bond y quizás no estoy muy de acuerdo en que se prestó a estereotipar a México en películas gringas pero, bueno, ya ni modo. Hasta donde sé, en el cine internacional fue alguien por derecho propio.

Yo no veo que Pedro Armendáriz Jr. le haya hecho algo malo al cine. Al contrario. Repitieron hace poco una entrevista que ofreció hablando sobre sus tres películas predilecta. Fue una hora de programa que disfruté mucho.

Mejor aquí la dejo. Ya otros y otras han expresado lo que yo pretendí: que le agradecemos todo lo que nos compartió y que, en verdad, se le va a extrañar.

¿Con qué termino? Se me ocurre con la frase final de Mina: Viento de Libertad. Creo que es apropiado: mañana, cuando yo muera, no me vengáis a llorar. Nunca estaré bajo tierra, soy viento de libertad.

¿DÓNDE ESTÁ LA ATALANTE?

2011-12-25T21:24:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Debió ocurrir en algún momento cuando estudiaba en la universidad. Lo único que recuerdo es que la primera referencia debí verla en un libro que escribió Leonardo García Tsao sobre cómo comprender esto del cine.

L´Atalante aparecía en una lista de 1992, la de Sight & Sound. Esa referencia fue más que suficiente para rentarla en el videocentro donde la localicé en aquel entonces. Me pareció extraña y un tanto monótona, no una mala película, pero sí me quedó la sensación de ¿por qué le hacen tanta fiesta? A mis 24 años me faltaba mucho cine por ver. Mucho por aprender.

Con el tiempo, me encontré que L´Atalante desapareció de la lista de Sight & Sound.

Un poco de historia: Sight & Sound es una revista que se publica desde 1932 y es editada por el Instituto de Cine Británico (BFI). Desde 1952 realiza una encuesta cada década donde pide a expertos una selección de los mejores filmes del mundo. L´Atalante fue incluida en 1992 pero para el 2002 desapareció. Con ello, tal parece, volvió otra vez a ese extraño anonimato de las películas que sólo unos cuantos iluminados conocen y admiran.

Cómo me encantaría volver a verla. Sí, he tenido decepciones con ciertas películas pero no me pretendo totalmente cerrado a la segunda oportunidad. Me dijo alguien alguna vez “la primera impresión jamás se olvida” y es verdad, pero para mí no necesariamente es fundamental.

Volvamos a Sight & Sound y sus listas de las imprescindibles. ¿Dónde están, cómo verlas? ¿Dónde encontrar Louisiana Story, Avaricia de von Stroheim, Breve Encuentro de David Lean? ¿Dónde están Cuentos de la Luna Pálida de Mizoguchi, L´Aventura de Antonioni? Y ya no digamos las que encabezan la lista, no en todas partes se puede uno tropezar con Juana de Arco, La General de Buster Keaton o La Regla del Juego de Jean Reonir.

Hay tantas películas que me sigue pareciendo arriesgado reducir lo mejor de lo mejor a unos cuantos títulos pero, bueno, de momento no puede ser de otra forma. Los criterios cambian conforme pasa el tiempo. ¿Por qué, por ejemplo, no aparecen Metrópolis o Napoleón de Abel Gance?

Quizás la preservación del cine hasta donde sea posible no sea una labor estéril y valga la pena buscar, localizar y difundir. Yo, por el momento, tengo el antojo de navegar y buscar mis sueños a bordo de La Atalante.

LUBEZKI

2011-12-18T21:48:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Hace unos meses conocí en Brownsville, Texas, a Juan Manuel Puyol, un camarógrafo que trabaja para National Geographic. Un tipo muy agradable, de esos que da gusto conocer. En algún momento de la conversación le pregunté lo que, supongo, le han preguntado cientos de veces: ¿cómo se logra tener un trabajo así?

“Yo siempre les digo, pura suerte” me contestó, sonriendo. Su calidad lo llevó a conocer más y más personas “y un día a otro, de repente, me hablaron (y me dijeron) que oye vamos a hacer un trabajo con National Geographic…y aquí estoy”.

La semana pasada escribí sobre El Árbol de la Vida y cometí una grave omisión. Detrás de la cámara estuvo Emmanuel Lubeski. ¿Es el autor de todo lo que vimos o reparte la chamba?, ¿la segunda unidad se encarga de lo suyo y él se lleva todo el crédito? Eso se puede contestar un día de estos pero, lo que me viene a la mente en este instante es preguntarme ¿cómo le hizo Lubeski?

Para empezar, no es un improvisado. Egresó del CUEC (Centro Universitario de Estudios Cinematográficos), participó en algunas producciones antes de ser el encargado de la cámara en Bandidos, Sólo con tu Pareja, Como Agua para Chocolate, Miroslava. De ahí, saltó a Reality Bites, La Princesita, Un Paseo por Las Nubes, The Cat in the Hat, Y Tu Mamá También, ¿Conoces a Joe Black?, Sleepy Hollow, El Nuevo Mundo, Niños del Hombre y lo que venga.

Lubeski nació en 1964. Según los datos que circulan por ahí, es de origen judío, ¿suficiente para que le abran todas las puertas, según pensarán quienes ven conspiraciones y sectas secretas por todas partes? O también, no falta el que dice “qué chiste, en Hollywood tienen todo lo necesario, así cualquiera dirige y cualquiera es buen camarógrafo”. ¿Será? Mmm…no creo. Siento que la explicación es más sencilla: Lubeski es talentoso en lo que hace. Nada más.

¿Y qué tipo de persona es? Fuera que le dicen el Chivo, no sé más. Imposible saber si algún día lo llegue a conocer o – mejor aún – pueda trabajar con él. De ocurrir, espero estar a la altura y aprenderle algo. En el mejor de los casos, espero que sea como Puyol, a quien sólo traté durante unos cuantos minutos y al retirarme del lugar pensé “debería haber más gente así en esto que llamamos medios de comunicación”.

EL ÁRBOL DE LA VIDA (THE TREE OF LIFE)

2011-12-11T18:29:00.005-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Lo diré con las primeras pocas palabras que se me vienen a la mente: es la típica película rompemadres que te dejará marcado para el resto de la vida. No importa qué opines sobre ella, la recordarás por siempre.

“Basura”, “bodrio”, “sobrevalorada”, “estúpida”, “aburrida”, uf, los calificativos faltan. Ya había oído algunas referencias semejantes. Entonces, ¿qué hacía yo sentado en la sala cinematográfica? ¿Qué pensé justo en el momento en que habían pasado 15 minutos de escenas aparentemente inconexas? Me acordé de esa conductora cabeza hueca que vi en un canal de noticias que afirmó haberse salido del cine justo cuando había pasado ese tiempo y calificó El Árbol de la Vida como una de las peores películas del año. Pero también me acordé de Stanley Kubrick y me regocijé. ¿Será esta la sensación más cercana a la de haber visto 2001 en su momento?

Terrence Malick es el tipo de cineasta de poca producción pero cuyo nombre se sabe colar muy bien en el mundillo cinematográfico. Cuando llevó El Árbol de la Vida al Cannes de este 2011 se supone que le iría del nabo pero al final de la competencia ¡ta-rán!, se llevó la Palma a su casa.

¿Qué es El Árbol de la Vida? Lo que queramos que sea. Un discurso sobre el existencialismo, una tragicomedia sobre el modo de vida estadounidense, el desperdicio de mi tiempo y el tuyo y el de 139 minutos de nuestra vida.

Para películas como El Árbol de la Vida y 2001 qué bueno que hay reseñas que le ayuden a uno a saber ciertas cosas. ¿A poco solitos vamos a saber que el astronauta hace un viaje astral después de aniquilar a la HAL 9000? De la misma forma, una reseñita aquí, un resumen allá, un buen wikipediazo más acá, me dan un poco más de información. “Ahhh, Sean Penn es el hermano mayor”, “ahh, el hermano menor es el que se murió”. ¿Y de qué se murió? ¿Y por qué le avisan a la familia con un telegrama? ¿Y Brad Pitt de papá de Sean Penn? ¿Y de todas las ciudades posibles por qué Waco? Sí, es el tipo de preguntas que se quedan en el aire pero, la verdad, qué importa.

¿Reproche a los actores? Ni uno. Para mí sobresale Jessica Chastain pero porque su papel le exige más que a Brad Pitt. También, ese joven Hunter McCraken, mini Elijah Wood que quizás nos sorprenda en el futuro. Pitt es el gancho de taquilla pero, híjole, cuántas de sus fans salieron decepcionadas por no salir de sexy o en paños menores. Demuestra que le gustan este tipo de proyectos y se arriesga a ellos cuando podría estar quitado de la pena con Angelina paseándose en la Riviera francesa ( ya que hablamos de Francia, ¡por favor!, con todo lo respetable que el señor es, si Leonardo García Tsao siente que sufre demasiado cada que va a Cannes quizás ya sea tiempo de pasarle la estafeta a alguien más).

El fin. El Árbol de la Vida posiblemente sí sea una película sin sentido y Malick un pedante. No sé si pueda volver a ver esa película, no está diseñada para verla en la sala de la casa. Ya la vi en el cine. No necesito más.

AN AMERICAN CAROL

2011-12-04T14:39:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

¿Qué le pasó a David Zucker? ¿Les suena ese nombre? ¿Se acuerdan de ¿Y Dónde Está el Piloto?, o la de Súper Secreto o la serie de ¿Y Dónde Está el Policía? o las de Scary Movie 3 y 4. Bueno, él dirigió o co-dirigió estos filmes, algunos considerados clásicos del género. Pero de pronto, uno se tropieza con algo llamado An American Carol.

¿Y qué es An American Carol? Basta unos minutos para darse cuenta que, si David Zucker aceptó dirigir este bodrio, existen altas probabilidades para aseverar que detrás de un hombre con un sentido del humor ácido y mordaz se esconde un ultraconservador estadounidense, de los millones que hay en ese país y que ven en Michael Moore a uno de sus enemigos. En sí, An American Carol es un discurso de odio en contra de Moore. Así de simple.

De principio a fin, todo es destrozarlo. ¿Y a mí, qué?, dirán. ¿A poco amo con locura a Moore y por eso me lanzo a defenderlo? Bueno, no tanto como eso, pero aquí lo interesante es descubrir que, con todo lo cuestionable que pudieran ser sus documentales, resulta que Moore es mejor realizador que Zucker. Digo, porque si se trata de acomodar la realidad, torcerla y hacerla pasar por convincente, Zucker naufragó extremadamente gacho.

An American Carol fue estrenada el 3 de octubre del 2008, ¿recuerdan el año?, fue cuando ganó Barack Obama. Si había o no intención de darle en la torre, bueno, es obvio que no resultó. Si Zucker pensó que con un mal guión iba a destruir la carrera de Michael Moore pues, hasta donde sé, Moore no se lanzó de un puente o citó a conferencia de prensa para anunciar su retiro del cine. Lo que sí inquieta es la forma incendiaria, parcial y manipulada de mostrar como virtudes la guerra, las armas y el patriotismo. ¿O como quieren que pensemos lo contrario si aparece un ultraconservador como Bill O´Reilly? Y en cuanto a Dennis Hooper, James Woods, Leslie Nielsen, Kelsey Grammer, ét al, bueno, supongo que para algunos fue una chamba más o a lo mejor reflejaron su ideario político, qué sé yo.

Aquí lo único curioso es el enorme parecido que tiene Kevin Farley con su hermano, el fallecido Chris…aunque también se parece a Jack Black, ¿no?

3 DEV ADAM

2011-11-27T18:27:00.001-06:00

Por Joaquín Peña Arana

¿Qué onda con esto? Definitivamente que el cine de todas partes del mundo tiene su equivalente a Plan 9 del Espacio Exterior…o peor que eso. Pero ¿el Santo qué culpa tiene?

La única explicación que se me ocurre es que el Santo, tan natural y cotidiano para nosotros, llegó a tener una bestial popularidad de niveles insospechados no sólo en nuestro país o en el resto de Latinoamérica sino en rincones del mundo que ni siquiera nos imaginamos. Ahí es donde entraría Turquía. Sólo así tendría sentido cómo es que la figura del Enmascarado de Plata pudo aparecer en un subproducto fílmico de ese país a lado de ni más ni menos que el Capitán América y el Hombre Araña.

Me explico (porque yo tampoco lo sabía hasta hace un par de días): resulta que existe una película turca llamada 3 Dev Adam (algo así como Tres Hombres Gigantes), filmada en 1973. Según su argumento - y contra la lógica del sagrado mundo del cómic - el Hombre Araña es un ser malvado, un súper mafioso quien es el azote de la sociedad. Hartos de él, la policía llama a las únicas personas que podrán contra ese malhechor: el Capitán América (o simplemente América), su novia Julia y el Santo (quien aparece varias veces sin máscara y sólo la porta cuando tiene que entrar en acción).

¿Qué es 3 Dev Adam? Un súper churro, pero súper churro. Comparable a lo peor que la producción nacional ha creado a lo largo de su existencia o a cualquier mala película gringa a la que pretenden justificar catalogándola de “culto” o serie B o Z. Es más, la peor película del Santo o de Capulína se salva a su lado. Así como hay películas no oficiales del 007, ésta podría ser la no oficial del Santo: quien actúa no es Rodolfo Guzmán Huerta sino un actor turco, Yavuz Selekman.

3 Dev Adam se coloca como una curiosidad, nada más. Para quienes aman el mal cine de este tipo puede resultar una delicia. A la hora de indagar sobre 3 Dev Adam me sorprendió encontrar varias referencias, hasta su espacio en Wikipedia tiene y basta un botonazo en Youtube para localizarla.

A lo mejor un día de estos vemos a nuestro Santo en el cine gringo en alguna producción de Tarantino, Hugo Stigliz ya abrió brecha en Bastardos Sin Gloria. Nunca se sabe.

NADIE ESCUCHABA

2011-11-20T20:52:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

El nombre de Néstos Almendros está ligado a grandes películas. Cuando indagaba algunos datos para redactar esta colaboración, me sorprendió redescubrir a este director de fotografía nacido en España y quien murió en 1992. ¿Qué relación tenía alguien que se llevó para su casa un Oscar con los derechos humanos en Cuba?

En algún momento de su vida, Almendros se detuvo para dirigir su mirada a la isla y a lo que ahí ocurría. Ahora el comunismo y sentirse izquierdista suenan fuera de lugar pero hubo un tiempo en que esa postura política era lo aceptado como contrapeso al gobierno; era también pose personal para dárselas de rebelde y revolucionario. Hubo una época, en particular tras el triunfo de la revolución cubana en 1959, que simpatizar con Fidel Castro, el Che Guevara y la oleada comunistoide era la onda. En México, esa tendencia duró décadas, yo siento que todavía durante los noventas había algo de eso aunque luego fue sustituido por el movimiento zapatista y la fascinación por el Subcomandante Marcos. La boina negra fue sustituida por el pasamontañas.

Néstos Almendros dirigió dos documentales sobre la otra Cuba, la que no se notaba en aquellos años, la de la opresión, la persecución, el ostracismo y la sistematizada violación a los derechos humanos (y eso que en 1960 realizó un corto muy sabroso llamado Ritmo de Cuba). Vi por primera vez Nadie Escuchaba en algún momento de 1989 o 1990, tiempos en que escuchaba con fervor a Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, y me enteraba de la estrecha relación de García Márquez con Fidel Castro. ¿Qué pensar siendo mexicano en un país con desigualdades y régimen autoritario pero en el que, a pesar de todo, podía circular en la calle, ir a un negocio de videos y rentar un documental sobre represión en Cuba?

Nadie Escuchaba no pierde vigencia ni fuerza, aunque es necesario tener el determinado contexto histórico para poder dimensionar lo que se plantea. Es evidente que a Néstor Almendros difícilmente se le recordará por esta obra cuando su trayectoria tiene títulos como Kramer vs. Kramer, La Decisión de Sophie, La Laguna Azul, Historias de Nueva York, además de trabajar con gente como Francois Truffaut. Pero Nadie Escuchaba ahí está, como testimonio. En espera de ser revalorada.

MOTIVOS DEL CINÉFILO

2011-11-13T19:53:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Recientemente hice un comentario sobre Nueva York, Te Amo. Contra lo que a veces creo, sí hay algunas personas que leen lo que escribo.

Una persona me comentó sobre el enorme esfuerzo que representa hacer una producción, sea una monumental hollywoodense, un cortometraje o algo más sencillo pero no por ello menos elaborado (¿cuántas historias están siendo filmadas o grabadas en este momento por un grupo de personas sin más recursos que sus ganas?). “Estoy de acuerdo contigo”, le dije. “Entonces, ¿por qué tan duro con Nueva York, Te Amo?”, me preguntó a su vez. Le contesté que no creo fuera tan duro, no dije que fuera basura o que todos una bola de mediocres. Me decepcionó pero como quiera le digo a la gente que si quieren no me hagan tanto caso. “Soy cinéfilo, no perdonavidas del cine, eso ya lo hacen otros”, rematé.

Si algo valoro es el esfuerzo que realizan quienes hacen cine, televisión o cualquier otro tipo de producción, pero no siempre estaré de acuerdo con los contenidos o la forma. Además, ojo, y creo que se nota en lo que hago, NUNCA INSULTO. Por mucho que me desagrade la película, no recurro a eso. Ya hay revistas, blogs, páginas de internet y programas de radio y televisión que se encargan de eso; he leído cosas como “el cara de idiota de Nicolas Cage”, “esa película es basura”, “otra vez una del bueno para nada de Gael”, “el director fulano de tal es un fracasado”. Bueno, cada quien elige qué hacer con sus palabras. Yo estoy consciente que buena parte de quienes critican cine NO HACEN CINE. Y habría que ver si tienen capacidad para, al menos, escribir argumentos, de perdis una buena historia.

La tecnología permite expresarse a cualquiera que tenga una computadora, conexión a internet y algo de tiempo libre pero, paralelamente, vivimos una era de agresiva necedad. Basta leer la tira de comentarios generados en cualquier noticia del día o en las redes sociales. Para mí, no sería difícil hacer lo mismo pero no es mi onda.

Yo soy un cinéfilo. Espero, aspiro, deseo realizar cine algún día. No estoy de acuerdo con ciertas historias y las formas de contarlas. Suelo decir “eso pienso pero como quiera ve a verla, a ver qué te parece”.

Vayan y disfruten del cine. Yo a eso voy.

EL CUARTO CONTACTO (THE FOURTH KIND)

2011-11-07T21:27:00.002-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Estábamos en un cuarto de hotel, a punto de salir hacia un congreso. Mientras hacíamos tiempo, le cambié a los canales hasta que en la tele apareció Milla Jovovich. De repente, en un parpadeo, ya no estaba ella sino una especie de documental con entrevistas de archivo. “¿Bueno, qué estoy viendo?”

“Ah, esa está muy buena”, me dijo Ramiro. Seguí viendo la película y resultó ser una especie de thriller sobre extraterrestres, abduciones y esas cosas. Mi cuate me explicó que estaba basada en hechos reales. Como muestra, incluían los videos originales de las entrevistas.

Pero me quedé con varias dudas. ¿Una película donde combinaban recreación con material original? ¿Cómo es que no se había vuelto famosa, de esas que no pasan desapercibidas? La Bruja de Blair con menos que eso pegó con tubo. Y esa mujer, la que aparece como la verdadera Abbey Tyler, ¿por qué se me hace conocida, dónde la he visto antes? “Bueno, se parece a mi amiga Alison”, pensé que a lo mejor era eso.

Decidí buscar en el siempre bien ponderado Wikipedia y otras fuentes. No fue difícil.

La mujer de ojos grandes y cabello ensortijado es Charlotte Milchard, actriz británica más conocida por su trabajo en teatro.

“Ah qué méndigos”, pensé. Porque los realizadores de The Fourth Kind se tomaron muchas molestias para que la trama pareciera real, tan real, que no faltó quienes se la creyeron gacho eso de que el video que aparece es verdadero. Es que nomás de ver a Charlotte Milchard tal y como la dejaron, sin mucho maquillaje y peinada así nomás, ¡claro que se ve real!

Confieso que no he visto la película completa. He leído que no le fue bien en la crítica. Bueno, ya veremos, no siempre me fío de ella.

NUEVA YORK, TE AMO

2011-10-30T19:16:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Nuevayorknuevayorknuevayork. ¿Cómo no nos hemos enamorado de ella de alguna forma? El cine nos ha llevado de la mano a recorrerla incontables veces. Uno esperaba que Nueva York, Te Amo, fuera un homenaje, un reconocimiento a la ciudad multicultural,. Metrópoli interminable. Capital de todas las voces. Pero…

Qué decepción.

Desde la apertura tal parece que la tendencia es odiarla. En cuanto vi al taxista echando a sus pasajeros me dio mala espina. El resto, parece un manual de estereotipos. Las historias no parecen tener peso, algunas son bellas pero algo le falta a la generalidad de las mismas. Las comparaciones son odiosas, siempre, pero que yo recuerde en París, Te Amo, no se la pasan evocando signos parisinos así nomás. De hecho, aunque las historias no necesariamente deben estar interconectadas, en París, Te Amo, se las arreglan para que el remate sea una brisa que ayuda a refrescar aún más el resultado final.

Estando en Europa ¿alguien recuerda que en París, Te Amo, salieran haciendo el amor o parecieran estar obsesionados con el sexo? Y eso no me asusta, qué va, pero en Nueva York, Te Amo, tal parece que no pueden vivir sin fornicar ni estereotipar.

El elenco es intachable. Todos y todas hicieron su chamba. La fotografía, montaje, etc. etc., muy bien. Buen trabajo. Natalie Portman creo que es la única que repite (salió en París, Te Amo) y aparte se aventó la dirección de un corto. Qué decir de Elli Wallace y Cloris Leachman como la pareja de viejitos.

Y bueno, para terminar, si quieren no me hagan mucho caso. Ya veremos que nos depara el futuro, todavía nos falta aventarnos Río, Shanghai y Jerusalén.

Ay Nueva York, Te Amo, ¿no habrá manera de hacer como que nunca pasó y volver a empezar?

SENNA

2011-10-23T15:43:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Leí críticas muy duras para este documental.

Después de aventarme sus 106 minutos de duración no me pareció tan mala, ni siquiera mala. Entiendo que decepciona a quienes deseaban más y no aporta alguna novedad pero ¿qué esperaban, un informe completo de la varilla que causó su muerte?

Senna es el tipo de documental que, posiblemente, sea soportado sólo por fanáticos del automovilismo y hasta eso tiene su riesgo. Ellos son gente informada que podrían gritar a los cuatros vientos ¿”y eso es todo, no hay más?”. Yo me baso en mi experiencia personal, la misma que comparto con millones de personas que no aman el automovilismo. Senna es alguien de quien supe por los medios, por la tele, de la misma forma que ubico a Niki Lauda, Alan Prost, Schumacher, hasta he escuchado de Taruffi. Pero nada más. Ese limitado conocimiento es el que llevé en el morral cuando me senté en la butaca del cine.

¿Qué es lo que exaspera a los detractores de este documental de Asif Kapadia? ¿El material? Todo es video. En una pantalla de cine no siempre ofrece buenos resultados. Después de varios minutos me acostumbré a ver, de vez en vez, imágenes medio borrosas. No me resultó problema. Sí, yo también me pregunté varias veces por qué no aparecen los entrevistados, la película se sostiene con pura voz en off o audio original de archivo. Pero a mitad de película pensé que esa omisión permite que el material vaya evolucionando. Llega el momento en que vamos de la mano con Senna pasando de una época a otra.

Sus críticos denostan el sentido “idílico” de la biografía. No me parece tanto. Creo que el documental trata bien a Senna y no intenta empalagar ensalzándolo constantemente. Para alguien como yo que no sabe de Fórmula, 1 captó mi atención que se abordara la bronca con Prost, se difundiera el material de las juntas con los pilotos, la relación con Xuxa, la cámara con el punto de vista del piloto, el audio de su gran triunfo en Brasil, el tenso y triste ambiente en San Marino. La imagen y el sonido de su última carrera.

Para mí, Senna no es un desperdicio. Es un buen documental.

THE ROLLING STONES: SOME GIRLS LIVE IN TEXAS 1978

2011-10-16T13:02:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Es un agasajo. Verlos jóvenes, energéticos, amorosamente setenteros. Como si cobraran vida los posters de mi hermano y las fotos de las revistas que leí con fervor. Es algo de nostalgia pero, también, una nueva experiencia.

Y eso que el concierto tarda un poco en cuajar, al igual que la heroica cobertura que realizan los camarógrafos (en especial, el de primera fila. Se la rifó en serio). Incluso Mick Jagger se ve forzado, aburrido, como pensando “otra vez la misma rutina”. Hasta Just My Imagination todo se puso en orden: los Stones entraron en el concierto para no volverlo dejar.

Sí, en un principio todo se concentra en Jagger, luego en Richards. Es más adelante cuando las cámaras recuerdan que Bil Wyman y Charlie Watts son, también, parte de la banda. ¿Y qué decir de Ron Wood? Parecía ser el único que se estaba divirtiendo desde el principio. Apenas lo habían aceptado como miembro oficial y verlo como un Stone más no deja duda: fue un gran acierto.

El trabajo de los camarógrafos es de elogiarse una y otra vez, a pesar de los desenfoques y uno que otro detalle. Magnífico el resultado: el sonido, los ángulos, las tomas amplias, la cámara entre la gente. A pesar del tiempo, el material está en muy buenas condiciones, pese a lo granulado, no importa. Ya quisiéramos que Ziggy Stardust se viera y escuchara así.

Deben sentirse satisfechos quienes se reconozcan entre la gente que asistió a ese concierto. Quedaron inmortalizados. Presenciaron un concierto inolvidable. Los Stones eran todavía provocadores, groseros, se metían con la gente, Jagger jugaba a las alusiones sexuales. Eran los Rolling Stones. ¡Eran los Rolling Stones! Verlos ahora no es ver despojos, siguen siendo grandes músicos y sus conciertos no desmerecen ni parecen viñetas acartonadas, pero presenciar esta película en una sala cinematográfica fue lo más cercano a vivir un concierto con los Stones de 1978.

Por eso, cuando me levanté de mi asiento, vi la silueta del cácaro. Antes de salir, levanté mi mano y pronuncié una palabra: gracias (hay una historia detrás de esto. Ya se las contaré algún día).

EL AMOR LLAMA DOS VECES (LARRY CROWNE)

2011-10-09T15:17:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Iba la mitad de la película y mis sospechas continuaban. “Quizás soy yo”, pensé., “a lo mejor estoy de malas, en un ratito más agarra vuelo”. Pero mi amiga Aracely reafirmó mis impresiones. “Está aburrida”, o algo así fue lo que dijo. Llegamos a la conclusión que dirigir no es el fuerte de Tom Hanks.

Voy por partes. No es la primera vez que Hanks se coloca detrás de la cámara. Es cierto que desde que escribió y dirigió Eso Que Tú Haces ya pasaron unos 15 años pero aquella vez no le fue nada mal. ¿Qué pasó entonces, por qué el mal resultado de El Amor Llama Dos Veces?

“El guión”. Llegué a esa conclusión porque, revisando el resto de los aspectos, todo lo demás está bien: el reparto, la ambientación, los personajes. Digo, tampoco es una película para los oscares o para Cannes. Sí, es posible que haber elegido a Julia Roberts para el papel no fuera adecuado, por alguna razón su personaje y el de Hanks no logran identificarse, dicen por ahí “no tienen química” (nitroglicerina o qué).

No es la primera vez que Tom Hanks escribe. ¿La culpa la tiene Nia Vardalos? Ella y Hanks hicieron el guión. Si les suena ese nombre, recordarán que ella saltó a la fama por escribir y actuar la de Casarse Está en Griego, Tom Hanks participó como productor. Es cierto que, desde entonces, Vardalos no ha vuelto a saborear la miel de los primeros planos pero tampoco la podría considerar maleta. No aparece en la película pero podemos escucharla, es la voz del geoposicionador satelital.

En cuanto a la historia, bueno, es la de un hombre que enfrenta el desempleo de la noche a la mañana y sus ganas de superarse al decidir estudiar. El personaje de Hanks no tiene final feliz, apenas va empezando de nuevo. Si la vemos por el lado amable, El Amor Llama Dos Veces es una historia de superación personal y cómo, aunque la edad parezca impedimento, la voluntad de salir adelante se impone.

Al menos, ese voto de confianza.

CAPITALISMO: UNA HISTORIA DE AMOR/CAPITALISM: A LOVE STORY

2011-10-02T15:21:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Entre sarcasmo a morir, Moore se toma 127 minutos para pretender demostrar cómo los grupos que controlan las finanzas y la política logran fabulosas ganancias al precio que sea. No suena novedoso, pero cuando los números se convierten en personas con nombres y rostros, las cosas cambian un poco.

Moore no se anda por las ramas. Para él, el capitalismo es malo. El demonio. Jesús lo aborrecería. Para demostrarlo, qué tal los testimonios de familias que todo lo han perdido, explotadas, arrojadas a la calle. ¿A poco esto pasa en Estados Unidos, el país de la democracia, grandes carreteras y abundancia? Porque la pobreza, a simple vista, no se le nota. Pero una cosa es que no se vea y otra que la clase media estadounidense vea cómo, poco a poco, invade sus vidas. Y es el tipo de invasión que no les gustaría celebrar.

¿Cuál es la alternativa al capitalismo? Moore dice que es la democracia traducida en una opción: el activismo. Ahí están los grupos que resistieron desalojos, formaron cooperativas, retaron a lo establecido. Para el documentalista la solución es un despertar de conciencias que desemboque en acciones. ¿Será posible esto en Estados Unidos? Suena a cosa de país latinoamericano o europeo pobre. Y si llega a ocurrir, ¿cuánto tiempo podría durar antes que se desgaste o el gobierno accione los mecanismos para sofocar cualquier insurrección? ¿En Estados Unidos, a cuántas personas les importaría? Como que irse de pesca, comprar el blue ray o tomar cerveza y asar carne el fin de semana suena más atractivo. Ya veremos.

Michael Moore no ha vuelto a tener el impacto mundial que logró cuando Bowling for Columbine y Fahrenheit 9/11. Que yo sepa, en Estados Unidos, la gente no se espantó con Capitalismo: Una Historia de Amor. ¿Y si la pasaran un día de estos por televisión abierta, en red nacional? Sería interesante ver si un día de estos lo hacen, no porque crea que Moore es dueño de la verdad absoluta, sino por la insana curiosidad por saber, siquiera tantito, qué tan dispuesto está los Estados Unidos contemplarse en el espejo de vez en cuando.

SIEMPRE LISTO EN LAS TINIEBLAS

2011-09-25T23:34:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

El descubrimiento fue pura chiripa. Durante un viaje a San Antonio, Texas, mis cuates y yo entramos a un monumental restaurante que desbordaba temática mexicana en todos los rincones. Y ahí, en uno de sus muros, entre fotografías, murales, sombreros, ahí estaba Cantinflas en un cartel cinematográfico con un título totalmente desconocido para mí.

“¿Han oído hablar de la película Siempre Listo en las Tinieblas?”. Dos de mis acompañantes resultaron ser unos expertos en la cinematografía cantinflesca pero la pregunta les sorprendió. Para despejar la duda, me levanté, caminé al otro salón, tomé la fotografía y retorné. “No, no la recuerdo”, más o menos dijeron eso tras ver la pantallita de mi cámara. Después de un breve análisis, pensamos que quizás Cantinflas tendría alguna especie de películas alternas a las que son aceptadas como oficiales. Un poco de investigación vía internet me ofreció algunas respuestas.

La publicidad y los recursos para colocar el producto han variado de época a época pero el propósito sigue siendo el mismo. Y para tal fin, qué mejor que utilizar la “imagen” de una conocida figura. En este caso, Siempre Listo en las Tinieblas es un cortometraje publicitario de aproximadamente 10 minutos. ¿Circuito de exhibición?, supongo que en los cines de ese entonces. La televisión todavía no estaba desarrollada y los comerciales se proyectaban en las salas cinematográficas entre tanda y tanda.

Siempre Listo en las Tinieblas es de 1939, fecha en la que se estrenó El Signo de la Muerte. En sí, se trata de una pequeña historia donde un ladrón entra a la casa de Cantinflas, pretexto para hablar sobre las virtudes de la marca de lámparas que se publicitaba. Mario Moreno todavía estaba en proceso de consagración, aunque lo identifican como Cantinflas en el corto su personaje se llama “Chencho Albondigón”. Aunque no aparece en los créditos, algunas fuentes le otorgan el guión a Estanislao Shilinsky.

¿Quieren verla? Un chapuzón en Youtube (hasta que los derechos de autor ataquen) permite disfrutar de esta rareza del cine nacional.

EL ESTUDIANTE

2011-09-18T23:19:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

De alguna manera, Jorge Lavat se reencontró con esta película.Tenía algo así como 35 años de no pararse frente a una cámara de cine.

Lavat hizo varios filmes pero fue más conocido en el setenta y ochenta como galán de telenovela. Fue exitoso, mucho. Y muy famoso. Pero como la vida misma, este medio maldito de pronto arrincona a quien ya no le sirve. Lavat se acopló a los signos de la edad y, hasta donde tengo entendido, no hizo el ridículo intentando interpretar papeles que ya no eran propios de su madurez.

Le perdí la huella mucho tiempo hasta que lo vi en una gran telenovela, La Vida en el Espejo, de 1999. Luego, pasaron años.

Volví a saber de él en el 2009 por una película cuyo título no parece decir mucho: El Estudiante.

¿Qué se puede imaginar uno cuando la sinopsis habla del lugar común? Un hombre de edad decide inscribirse en una universidad. De ahí en adelante parece que el asunto va a la simpleza y la obviedad. Pero no.

El Estudiante es una película que conmueve.

Jorge Lavat encarnó espléndidamente a ese hombre quien todavía busca una realización personal y, a la par, vive las vidas del grupo de jóvenes que apenas despiertan a los quebrantos del amor y el desamor. El Estudiante es el tipo de película que bien podría pasar como cine familiar, superación personal o para proyectarla ante estudiantes de secundaria. En sí, está pensada de ese modo, una forma sencilla pero espléndida de contar las historias con el magnífico ambiente de las calles y rincones de Guanajuato.

Roberto Girault tiene buena mano. El trabajo de ambientación, música, cámara, sonido, todo está bien. Es posible que Girault nos siga sosprendiendo. Empezó bien, muy bien.

En cuanto a Jorge Lavat, yo todavía lo recuerdo en esa entrevista cuando Jacobo Zabludovsky lo invitó a su programa de radio para promocionar El Estudiante. Lloroso, externó lo conmovido que estaba por haber hecho esa película.

Jorge Lavat murió hace unos días, el 14 de septiembre.

Debí ocuparme de El Estudiante antes y no esperar a que la muerte me recuerde algunas cosas.

¿FAHRENHEIT 911 CADA 11 DE SEPTIEMBRE?

2011-09-11T21:18:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Escribo en el ocaso del 11 de septiembre el 2011. Termino saturado. Desde la mañana, noticiarios, documentales, programas especiales no han parado con el tema. No es para menos. Son 10 años de los atentados. Pero hay unan película que sería interesante saber si alguna vez la han pasado en la televisión de Estados Unidos.

No digo que sea deber patriótico y a lo mejor algunos de nuestros vecinos del norte considerarán de mal gusto que el mero 11 de septiembre se transmita Fahrenheit 911. Pero, ¿alguien me puede confirmar si alguna vez la han transmitido por televisión abierta?

Dirán “a ti qué te importa, por qué de donde eres no pasan la corrupción, los narcos, todo eso que los medios extranjeros tienen que difundir porque allá, en tu mugre país, no tienen libertad de expresión”. Pues a eso me refiero: libertad de expresión.

Veamos: para algunos, Michael Moore por sus puros calzones hizo Fahrenheit 911 de un modo maniqueo: elmaloesBushelmaloesBushelmaloesBush. Pero, independientemente de eso, desde mi punto de vista, vale la pena la revisión. Moore estrenó Fahrenheit 911 en el 2004. Del estreno, han pasado seis años. De los atentados, diez. ¿Qué ha cambiado, en qué se equivocó….EN QUÉ ACERTÓ?????

Moore cuestionó el resultado de la elección que encumbró a Bush en el 2000, enfatizó sobre las relaciones de la familia Bush con los Bin Laden, dudó sobre los motivos reales que tuvo el gobierno estadounidense para invadir Afganistán e Irak, ¿existió o no la relación Saddam – Al Qaeda? ¿En verdad hubo un presidente ficticio que mandó a sus tropas a la guerra por motivos ficticios?

No soy estúpido ni cínico. Claro que entiendo la magnitud del luto en Estados Unidos. Murieron miles de personas. Afectó a millones en ese país. Afectó a millones en el mundo. Lo único que sugiero es ¿y si Fahrenheit 911 la pasaran en Estados Unidos cada 11 de septiembre?

EL LUCHADOR (THE WRESTLER)

2011-09-10T15:45:00.001-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Si nos echamos un clavado en La Ley de la Calle, 9 Semanas y Media o en Orquídea Salvaje, llegamos a la misma pregunta: ¿qué le pasó a Mickey Rourke?

Era guapo, gran actor, ojos expresivos, pestañoso, cabello seductor. Ah, y papeles importantes, que hicieran lucir su galanura y dotes histriónicas. En los noventas vi una película de Jean-Claude Van Damme con Dennis Rodman, la típica de aventuras, golpes, escenarios internaciones, y me sorprendió descubrir en ella a Mickey Rourke. Sentí que iniciaba su decadencia.

En los noventas y durante el 2000 no le fue tan mal. Tuvo buenos papeles, pero se reducían a ser el segundón y (casi) siempre en papel de rudo malo. Entonces llegó El Luchador. Mickey Rourke parecía estar interpretándose, como si expiara sus pecados y excesos para enfrentar la cámara. Véanme. Vean mi rostro desfigurado. Hagan close up, no me importa. Véanme llorar, sangrar, débil y humillado. Ese es The Ram. Ese soy yo.

No quiero dejar fuera a Marisa Tomei, no tiene empacho en meterse al papel a profundidad y salir encuerada cuantas veces se necesite porque ese es su personaje. Convence espléndidamente como una stripper sin futuro. Qué cosas, la única posibilidad de cambio era ese luchador fracasado. Y el Carnero no vio mayor salvación que la desnudista.

A veces pensamos que un director sólo tiene una sola visión para hacer las cosas. Es cierto que, difícilmente, veremos a Tarantino haciendo una película romántica o alguna por encargo, pero los hay que pueden con todo. Darren Aronosfky tuvo un gran resultado. Sí, le critican las fallas del guión y algunas situaciones parecen previsibles, pero en general El Luchador es un acierto.

Me llama la atención el trabajo de producción y diseño. Se tomaron todas las molestias posibles para reproducir la jodidez de la clase media baja de los Estados Unidos. A lo mejor a nosotros no nos parece demasiado (porque nos toca vez ya no pobreza sino miseria) pero para los niveles sociales de Gringolandia, así como vive El Carnero viven muchos, millones.

Millones de Carneros en Estados Unidos. Millones en el mundo. ¿Lo eres tú?

ASÍ PASA CUANDO SUCEDE (WHATEVER WORKS)

2011-08-28T18:23:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Woody Allen regresó a lo básico con esta película. Atrás, quedó Europa por un rato para regresar a su querida Nueva York y a un guión típico de aquellos días de Annie Hall. ¿Retroceso? ¿Y a quién le importa? Es Woody Allen.

No esperen demasiado, excepto pasársela bien con una historia que nos acomoda tranquilamente en un sofá woodyalleniano. Para quienes no le aborrecemos – porque de que los hay, los hay – hasta resulta placentero ver los créditos iniciales con su típico fondo negro, letras blancas en EF WINDSOR Elongated y música de antaño de fondo.

Allen retorna a la ruptura de la cuarta pared, ¿ven por qué pensamos inmediatamente en Annie Hall? La narrativa no desmerece. Habrá quien le encuentre huecos al guión, pero siento que está planificado para ir desmenuzando la historia sin prisas. Parece que no se le complica la vida al cámara Harris Savides, los planos y movimientos parecen simples. Pero eso es lo que quiere Allen: como en otros de sus filmes, sacrifica la estética a favor de la historia.

Larry David, Evan Rachel Wood, Henry Cavill, Patricia Clarkson, Ed Begley Jr., Michael McKean. No quiero dejar de mencionarlos, hicieron un buen trabajo, en especial Larry David, una especie de replicante alleniano pero con varios centímetros de más. Y la película, pues, es una reflexión sobre el ser humano, la búsqueda de la felicidad, la renuncia a la misma o su llegada. El azar, una constante en nuestras vidas.

Así Pasa Cuando Sucede parece, indirectamente, una película para quienes creen que la edad los rebasó y no hay más en la vida. No todo está perdido. Pregúntele a Boris, Marietta y, muy en especial, a John Celestine.

EL TERCER HOMBRE (THE THIRD MAN)

2011-08-28T18:05:00.001-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Todavía está a debate qué tanto metió su cuchara Orson Welles. ¿Fue un director alterno o únicamente sugirió un par de cosas? Es que, tras ver El Tercer Hombre, da la impresión de haber visto una especie de Ciudadano Kane en chiquito.

¿Qué onda con El Tercer Hombre? Pues es una pieza clásica donde brillan los nombres. Ahí está Welles encabezando la lista, con Joseph Cotten, Alida Valli (aparece en los créditos únicamente como Valli), el escritor Grahan Greene y el director Carol Reed. ¿Y qué me dicen del trabajo de cámara de Robert Krasker? El Tercer Hombre no sería lo que es sin esa mirada expresionista, experimental, la dramática iluminación nocturna de una Viena de post guerra. Imágenes poderosas, profundas. Film noir a morir.

El Tercer Hombre fue muy popular en su momento, no pegó en algunos países europeos pero en Inglaterra y Estados Unidos fue un cañonazo. Ganó el Grand Prix de Cannes, entre otros premios. Anton Karas es el autor del la música, es posible que alguna vez haya escuchado el Harry Lime Theme (más conocido en Estados Unidos como The Third Man Theme).

Es curioso, a mí la música me parece fuera de lugar (no digo que es mala, subrayo: fuera de lugar) pero para los entendidos es la ideal e imprescindible para este filme. Así son los choques generacionales.

El Tercer Hombre habla de la amistad. Suena cursi pero de eso se trata: la muerte de Harry Lime es el motor que impulsa a Holly Martins a quedarse en Viena y buscar la verdad. Pero, ah, cómo duele a veces encontrarla.

¿Y ustedes están seguros de conocer bien a sus amistades? Yo, a veces, me pregunto qué le pasó a esa persona en la que confiaba tanto.

AQUELLA PELÍCULA DE KISS

2011-08-14T19:23:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Recuerdo que la vi como una o dos o tres veces. Eran otros tiempos. Ver varias veces una misma película no era como ahora que se pueden rentar o comprar. Había que ir al cine, pagar el boleto y aplastarse en la butaca. ¿Yo hice eso por una película tan pero tan mala?

Pues sí. Lo confieso. Oigan, yo tenía como 10 u 11 años. KISS estaba en los cuernos de la luna, en casa mi hermano tenía discos y pósters, yo iniciaba mi adiestramiento en el mundo del rock. Cómo no se me iba a pegar.

¿Les ha pasado alguna vez que, al tener una relación, desde el principio sienten que la cosa no va bien pero como quiera aguantan, esperando que mejore? Algo así recuerdo de ¿cómo se llamaba? Sí, su título original es Kiss Meet the Phantom of the Park pero no puedo acordarme cómo le pusieron en México, si Kiss contra los Fantasmas del Parque o Kiss contra el Terror del Parque. Bueno, el caso es que conforme avanzó la película tuve una extraña sensación, como que desde entonces ya me latía esto de analizar los filmes. Con el tiempo, pasada la KISSeuforia, luego de aprender más sobre cine, acepté por fin lo que supe desde un principio: es súper súper súper chafa. Y eso que ya se volvió de culto.

En ese entonces KISS atravesaba por una fama y popularidad que ya la quisiera Ricky Martin. Como parte de lo anterior, se lanzó un cómic donde los integrantes del grupo aparecían como súper héroes, con poderes y toda la cosa. Llevar la idea a la pantalla no sonaba descabellado. ¿Qué fue lo que pasó? Quién puede explicarlo. Parece que es fecha que Gene, Paul, Ace y Peter les da vergüenza.

Tengo mucho que no veo la veintiúnica película de KISS. A ver si me la aviento por internet o un día de estos que la pasen por la tele. Por nostalgia, más que por otra cosa. Ah, y no lo descarto, quizás llegue a exclamar lo mismo que digo cuando me acuerdo de alguna con la que estuve: “¿a poco de verdad me gustaba tanto? ¿Pues en qué estaba pensando?”.

LINDA CHRISTIAN

2011-08-07T13:18:00.002-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Los titulares repitieron, palabras más palabras menos, el mismo encabezado: “murió la primera chica Bond”. Yo me enteré de la forma más inesperada.

El canal 24 de Tampico, Tamaulipas, Televisa del Golfo, abrió su noticiario de esa mañana con un obituario donde anunciaron la muerte de “la actriz tampiqueña Linda Christian”. Es verdad. Nació en Tampico el 13 de noviembre de 1923 y sus padres la llamaron Blanca Rosa Welter (¿en dónde habrá nacido, en el sanatorio Alijadores, en el hospital civil de la calle Altamira, fue un parto en casa? ¿Habrá registros en alguna parte?).

Vida azarosa la de ella. Todo indica que no se quedó mucho tiempo en el puerto. Su padre fue ingeniero y trabajó para la empresa petrolera Shell. Su familia se mudaba constantemente de un país a otro. Sus biografías aseguran que fue políglota y dominó el inglés, francés, alemán, español, holandés, italiano, además de algo de árabe y ruso. Se le atribuye a Errol Flynn haber creado su nombre artístico.

Ella se convirtió en la primera Chica Bond, en 1954. Actuó en la primera adaptación de la novela Casino Royale, hecha para la televisión. Antes, en 1948, actuó a lado de Johhny Weissmuller en la última película en que el ex atleta olímpico encarnó a Tarzán.

Dicen que fue más famosa por su matrimonio y divorcio con Tyrone Power. Se le relacionó con Errol flynn y el corredor español Alfonso de Portago, quien moriría –junto con su copiloto Edmund Nelson y diez personas más – luego de estrellarse contra el público cuando corría la Mille Miglia. En su momento, fue famosa una fotografía donde Linda y De Portago se despiden con un beso antes del accidente.

Las dos hijas que tuvo con Power, Romina y Taryn, incursionaron en la farándula. ¿Les suena el nombre de Ariadna Welter?, fue dirigida por Luis Buñuel en Ensayo de un Crimen y actuó en El Vampiro. Era hermana menor de Linda Christian.

Se desconoce si alguna vez volvió a Tampico. Quizás para ella haber nacido en el puerto sólo fue casualidad.

LAS FLORES DEL CEREZO

2011-07-31T17:40:00.002-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Durante un viaje vi una película cuyo título sonaba simplón: Las Flores del Cerezo. Me bastaron unos cuantos planos, notar su ritmo lento y ver que estaban en Alemania, para dictaminar de volada que era una película de cine club. Me pregunté “¿y esto cómo se coló en el autobús?”.

En pedacitos le fui echando un vistazo. Poco a poco, la trama me atrapó. Cuando llegamos a la central, todavía no se acababa. Me retrasé a propósito pero ya no hubo otra opción y cuando iba a la salida una señora, parada en el pasillo, no me dejaba bajar. Pensé que buscaba algo suyo pero no: estaba viendo la pantalla, tratando – como yo – de ver el final hasta donde le fuera posible. De repente, se dio cuenta que yo estaba detrás y dijo “ay, disculpe. Es que la película está muy bonita”.

El impacto que esa película tuvo en ella me llevó a meditar cómo los sentimientos, valores y fallas elementales de la humanidad, pueden llegar al público que sea cuando la obra cinematográfica así lo permite, sin importar el idioma o el país de origen. Aquí debería estar rebanándome el seso opinando sobre Las Flores del Cerezo pero, en sí, no es necesario vaciarse en una cascada de palabras. La película es bella, si se le quiere agarrar ese sentido. ¿De qué trata? Amor. Anhelos. Frustración. Abandono. Descubrimiento. Nostalgia y otra vez, el amor. A ver, intelectual de pacotilla que adora Irreversible, las de Takeshi Kitano y le pone casa a Carlos Reygadas, seguramente estás bien a gusto con tu vida. ¿Y si te sorprende la muerte? ¿Seríamos tú o yo menos distintos a los esposos Angermeier o sus hijos? ¿Les ha pasado alguna vez que un extraño puede consolarnos más que la familia? ¿Es cursi lo que Rudi hizo por su esposa o es un supremo acto de amor?

Las Flores del Cerezo es un viaje. Nos lleva hacia lo que dejamos de hacer, lo que perdimos, lo que deseamos recuperar y concluir.

¿QUÉ ONDA CON JARED LETO?

2011-07-25T22:50:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Y no es que me lo quiera llevar para la casa o lo admire con locura y pasión. Sí, es el tipo guapo, ojitos azules, flaco, carita: tiene todos los atributos de sex symbol como para dedicarse a hacer películas en serie nomás por generar taquilla. ¿Qué hace un tipo así en Réquiem por un Sueño o en Chapter 27?

En el mundillo del rock es conocido por fundar, con su hermano, el grupo 30 Seconds to Mars. Según leí por ahí, precisamente para impulsar su carrera musical se mudó a Los Ángeles allá por 1992, pero también empezó a actuar. Le fue bien. Apareció en una serie, My So-Called Life, la cual pegó bien pero duró únicamente 19 episodios. Como que fue un buen impulso para Leto porque en los siguientes cinco años actuó en 13 películas, ¿les suenan títulos como Basil, Urban Legend, La Delgada Línea Roja, El Club de la Pelea, Inocencia Interrumpida?

Lo de 30 Seconds to Mars se dilató un buen, hasta el 2002 sacaron su primer disco, pero dos años antes, salió al mercado la película Réquiem por un Sueño. ¿Recuerdan?, los de mi edad o mayores seguro evocan que, en su momento, era la película no comercial o tipo cine de arte que era obligado ir a ver.

En el ambiente de la crítica cinematográfica existe la etiqueta “artesano” para referirse al director de cine que se dedica exclusivamente a hacer películas sin esperar fama o trascendencia, por pura chamba, ¿hay algo semejante para etiquetar a los actores? ¿Leto es una especie de tipo que si no hay más o no tiene otra cosa qué hacer lo llaman para actuar? Alguna vez escribí sobre El Asesinato de John Lennon (Chapter 27) y mencioné en su momento su impresionante metamorfosis para encarnar a Mark David Chapman (engordó 30 kilos). ¿Hubo premios y reconocimientos? No, tan sólo una nominación en el Festival de Zurich.

Me ocupo de Jared Leto porque así como él, hay una jungla de actores, actrices, directores, en fin, profesionales del medio que no creo estropeen ni estorben. Contribuyen. De vez en cuando hay que voltear a verles.

UNA CARTA SOBRE FITZCARRALDO

2011-07-17T21:12:00.001-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Antes que tuviera el espacio de Apuntes de Cinéfilo a veces enviaba a mis amigos, por correo electrónico, mis impresiones sobre alguna película por el simple deseo de compartir mi emoción y entusiasmo. Hace poco encontré algunas de esas cartas.

Esta es la impresión que tuve, en el 2003, cuando vi por vez primera Fitzcarraldo.

“Fitzcarraldo es una película acerca de la pasión y los sueños, el sacrificio y la tortuosa terquedad por cumplir con lo que se desea. Por sí misma la película es ya toda una hazaña, es evidente el gran esfuerzo que tomó realizarla. Es conmovedor escuchar cómo la ópera calma a los nativos, cómo es el marco sonoro de los primeros intentos por hacer que el barco domine la tierra y desemboque hacia el otro río. Es triste ver cómo el esfuerzo de días se fue por la borda en tan solo unas horas (…).

El final es fantástico, como lo hubiera sido con la presencia de Mick Jagger y Resortes quienes, aunque no lo creamos, estaban contemplados a formar parte del reparto.

En fin, sólo quería comunicarte mi entusiasmo por Fitzcarraldo. Ya nos llegará el momento en que subamos a nuestra propia “Molly-Aída”.

Un abrazo”.

La carta la envié en septiembre del 2003 a mi amigo Ricardo, quien vio la película al menos diez años antes que yo.

Me ha pasado que, con el tiempo, la película que tenía en un pedestal caiga irrefrenablemente al desprecio.

A la distancia ¿ha cambiado mi opinión sobre la película?

Definitivamente no.

PINK CROSS FOUNDATION

2011-07-10T20:27:00.001-05:00

Por Joaquín Peña Arana

El cine porno es un género con millones de consumidores. No sé si la gran mayoría se encuentren en Estados Unidos pero para ese país es una industria “normal” si se puede etiquetar de esa manera, con filmes considerados clásicos y estrellas que protagonizan los fantasiosos delirios de incontables lujuriosos. Pero hace unos años ocurrió que una de esas estrellas decidió salirse de ese medio y no sólo eso: se convirtió en su enemiga.

Pink Cross Foundation fue creada en el 2008 por Shelley Lubben, apoyada por su esposo. Shelley fue actriz porno en los noventas. ¿En qué momento decidió convertirse en luchadora social?, habría que adentrarse primero en ese mundo para evaluar sus motivos. La verdad es que al público consumidor de porno, al igual que el resto de quienes consumimos lo que sea, no les importa de dónde proviene el producto. ¿O los millones de adictos de Estados Unidos reflexionan sobre la procedencia de la droga que consumen?, ¿a poco antes de inyectarse o fumársela, se detienen un momento a pensar en los miles de muertos que costó tener la cocaína o la mota en sus manos?

Guardando la proporción, algo semejante ocurre con los alimentos que consumimos: el calzado, la ropa, los productos de cuidado personal y, claro, quienes consumen porno. Los millones que vieron – y veremos – Garganta Profunda qué vamos a estar pensando en Linda Lovelace y la historia que contó por años sobre cómo fue obligada a filmar a punta de pistola. Más recientemente, hay casos como el de Nadia Styles. ¿Quién carajos es ella? Lo dicho: a lo mejor ni tú ni yo la conocíamos hasta hace poco, pero quienes están metidos en el mundillo del porno re bien que sabían de ella y, por tal, les tomó por sorpresa su decisión de volverse cristiana. Ahora se dedica a ofrecer testimonio de su experiencia y no tiene nada bueno qué decir sobre la pornografía.

Yo no les voy a decir lo que tienen que hacer (ya parece que me van a hacer caso). Lo único que sugiero es que, de vez en cuando, le pensemos tantito cuando, digamos, vaya a un congal a ver viejas encueradas, pida una masajista triple equis o cualquier variante relacionada con servicios sexuales. Sólo piénsele de vez en cuando qué hay detrás.

INTOLERANCIA (INTOLERANCE)

2011-07-08T23:10:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Tras ver Intolerancia, lo primero que me asaltó la mente fue preguntarme: ¿estamos hablando del mismo D.W. Griffith que filmó El Nacimiento de una Nación y convirtió a los del Ku Klux Klan en los héroe de esa película? Bueno, parece haber una explicación.

Pero examinemos primero a Intolerancia. Griffith se tomó muchas, demasiadas molestias para evidenciar, en cuatro historias, que eso de la poca tolerancia está mal, muy mal. Me llamó la atención lo duro que fue con las señoras de buena conciencia, las que prohibieron el alcohol y los bailes e iban de puerta en puerta buscando niños a los cuales arrebatar de sus malas madres. Por un lado Griffith es rudo, rudísimo con el stablishment de su época pero, ah, cuando reproduce a la Babilonia desenfrenada, qué tal esas mujeres con velos traslúcidos o el besote que se da el rey Baltasar con el Varón Esforzado y Valiente, además lo que me falta por ver. Yo sólo tuve acceso a una versión de 126 minutos (la película original es de 3 horas y media aunque hay versiones de andan por ahí de 163, 176 y 197 minutos, entre tantas).

Por supuesto que no puedo dejar a un lado referirme a su espectacular gigantismo. Desde el principio queda establecido que, como espectadores, nos tendremos que acostumbrar a ver la utilización de cientos de extras y monumentales escenografías. En lo técnico, hay mucho por decir pero me limitaré a mencionar los efectos especiales de montaje bastante elaborados (particularmente en la crucifixión y en las escenas finales) además de travelings, primeros planos , ¡ah!, y la famosa toma aérea de las fiestas babilónicas (dicen que la hicieron desde un globo aerostático), les quedó una chulada.

Pero ¿por qué el hombre que creó una película para enaltecer a los ku klux klanes filmó después Intolerancia? De acuerdo a las crónicas, precisamente para sacarse la espina de lo mal que le fue por ponerlos como héroes. A la distancia, aportó una película maravillosa que influyó enormemente a futuras generaciones pero le salió muy caro. Se estima costó alrededor de 2 millones de dólares ¡en 1916! Griffith no volvió a realizar filmes de colosal producción.

LOS HIJOS DE DON VENANCIO

2011-06-27T21:44:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Habría que hablar más seguido de Joaquín Pardavé, lo tenemos demasiado olvidado. Hizo películas entrañables. Los Hijos de Don Venancio es una de tantas pero esa tiene algo en particular, un elemento que vuelve loco al mundo: el futbol.

Los Hijos de Don Venancio se ha convertido, a la distancia, en un gran documento. Hasta donde se sabe, fue la primera película en nuestro país que incluyó una final en su trama. Utilizaron imágenes reales hábilmente mezcladas con recreación. La primera vez que la vi me sorprendió la forma en que reproducían el ambiente de tribuna: gentío, gritos, lluvia de vasos, discusiones entre la fanaticada, disimuladas mentadas de madre. Genuino.

En una escena previa, don Venancio duda sobre ir a ver o no a su hijo en la gran final y, brevemente, toma un periódico de la época que aparece a cuadro fugaz pero el tiempo suficiente para ser reconocido: el Esto. Desde entonces ya era el periódico de los deportistas, igual, era el único, pero Joaquín Pardavé acertó al incluir esa pequeña escena.

Como buena película mexicana de los cuarentas, es todo un melodrama propio de su época e incluir a Horacio Casarín fue muy audaz. En ese entonces, Casarín era el ídolo futbol nacional – algunos le atribuyen haber sido el primero – y su incursión al cine resulta sobradamente peculiar (posiblemente, también, el primer futbolista en actuar). Logra un desempeño aceptable si bien fue evidente que la actuación no era lo suyo. En contraste, se reclutó para la cinta a una buena camada de actores como Roberto Cañedo, Rafael Banquells, Victoria Argota, Alfredo Varela y otros más quienes ofrecieron un magnífico soporte histriónico.

Cuando empecé a leer y nutrirme de esto del cine recuerdo que, entre otras tantas virtudes, elogiaban a Chaplin por haber sido un cineasta de autor total ( actuaba, escribía, dirigía y a veces hacía la música). ¿Entonces, Joaquín Pardavé no merece un tratamiento semejante?

Creo que vale la pena hablar más de él. Quizás en otra entrega.

TRUMBO

2011-06-20T19:45:00.003-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Lo confieso: yo tampoco sabía quién carajos fue Dalton Trumbo hasta hace unos días en que vi el documental del mismo nombre que detalla su vida y el turbulento periodo de la cacería de brujas desatada en Estados Unidos durante los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. En ese entonces, la gente de Hollywood se volvió atractiva para el Comité de Actividades Antiestadounidenses en su búsqueda de comunistas infiltrados en la sociedad de ese país.

Trumbo fue escritor y guionista. Uno muy bueno, sobresaliente en su época. Pero se negó a testificar cuando el Comité lo mandó a llamar. Suena simple, pero eso le trajo consecuencias. Una de ella fue estar 11 meses en la cárcel (¿poca cosa?, intenta pasar dos día en una a ver si te parece divertido). Hay que tomar en cuenta que – hasta donde se sabe - no mató a alguien ni estafó, robó, colocó bombas, ni invadió ilegalmente algún país.

Trumbo formó parte de los Diez de Hollywood (The Hollywood Ten), un grupo de profesionales del cine que fueron señalados por tener algún tipo de vínculo o simpatía con el Partido Comunista Americano (suena alucinante pero en Estados Unidos, efectivamente, hay un partido comunista; medio dando tumbos y casi en el olvido, pero existe). Públicamente, los jerarcas del cine anunciaron que no le darían trabajo a los diez implicados. Si no le suenan los nombres de Herbert J. Biberman, Lester Cole, Edward Dmytryk, Ring Lardner Jr., John Howard Lawson, Albert Maltz, Samuel Ornitz, Adrian Scott, Alvah Bessie y Trumbo, es porque este episodio histórico casi los condenó al olvido.

Se nota a leguas que el documental fue producto de mucho esfuerzo y cariño. Su formato y la intervención de grandes actores (Michael Douglas, Paul Giamatti, Liam Neeson) dramatizando algunas de las cartas que Trumbo escribió en momentos representativos de su vida le otorgan originalidad, ritmo y contexto.

El día menos pensado le puede pasar lo que a mí: husmear en un botadero de películas y encontrarse Trumbo costando casi lo mismo que un Snicker. Pero ver este documental es un homenaje a este y otros hombres que estuvieron a punto de sucumbir a la locura persecutoria de un gobierno y nos lleva a no olvidar lo que ocurrió, alguna vez, en el país de la libertad de expresión.

TRUMBO

2011-06-20T19:44:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Trumbo formó parte de los Diez de Hollywood (The Hollywood Ten), un grupo de profesionales del cine que fueron señalados por tener algún tipo de vínculo o simpatía con el Partido Comunista Americano (suena alucinante pero En Estados Unidos, efectivamente, hay un partido comunista; medio dando tumbos y casi en el olvido, pero existe). Públicamente, los jerarcas del cine anunciaron que no le darían trabajo a los diez implicados. Si no le suenan los nombres de Herbert J. Biberman, Lester Cole, Edward Dmytryk, Ring Lardner Jr., John Howard Lawson, Albert Maltz, Samuel Ornitz, Adrian Scott, Alvah Bessie y Trumbo, es porque este episodio histórico casi los condenó al olvido.

EL PADRINO EN CANAL 22

2011-06-12T19:41:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Es que no es frecuente ver en la tele una de las más grandes obras cinematográficas de todos los tiempos.

El canal 22 nos ha sorprendido con grandes obsequios (todavía recuerdo cuando transmitieron con mucho orgullo la versión musicalizada y restaurada de Napoleón de Abel Gance). En esta ocasión, arrancaron desde el sábado 11 de junio con la primera de tres partes sobre el ascenso y caída de los Corleone.

No es la primera vez que la tele pública de nuestro país se discute pasando El Padrino. Hubo un tiempo en que lo que ahora llamamos Tv Azteca llevaba por nombre Canal 13, así nomás. La señal llegó a Tampico en 1981 u 82 y vi El Padrino en la comodidad de mi casa y en compañía de mi familia. No recuerdo con exactitud la fecha en que la pasaron pero sin duda fue la primera mitad de los años ochenta.

Años después, pero aún en los ochentas, se transmitió una curiosa versión cronológica de las dos películas, iniciando a partir de la fuga de Vito Andolini hasta la escena final de El Padrino II. De hecho, recuerdo escenas que no he vuelto a ver en la versiones “oficiales” de El Padrino parte I y II. Tuvieron que pasar muchos años para enterarme que no lo soñé sino que, efectivamente, Ford Coppola preparó una versión especial para televisión, The Godfather Saga, y la Paramount sacó a la venta The Godfather Epic . Yo estaba seguro de haber visto a Kay y Michael en un hotelazo, don Vito llamarle “adornos de navidad” a las medallas de Michael y una anciana asegurarle a Michael que en Corleone ya no había uno solo de los Andolini. La duda me estaba volviendo loco.

Se le agradece al Canal 22 la oportunidad pero dos reclamos. Uno: ¿de dónde sacaron ese subtitulaje?, está del nabo. Dos: gracias por ofrecer una sinopsis en la página de internet pero ya de una vez mejor revelen el final, ofrece detalles de más que a los no iniciados les puede quitar el sabor de disfrutar el filme. No sean así.

LA MISMA LUNA

2011-06-05T20:15:00.003-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Al ver la secuencia inicial olvidé por un momento que estaba en el cine. Mis ojos estaban en la pantalla pero a la vez volaban hacia un recuerdo. Mientras Kate del Castillo y el niño Adrián Alonso escenificaban el cotidiano drama de miles, millones de nuestros compatriotas separados por la necesidad, adentro, en mi mente, vi de nuevo el rostro de aquella joven mujer que conocí en un viaje a Chicago, recién llegada a la ciudad. De pie, frente a una sinfonola en una taquería del barrio mexicano, vi su rostro contraído por la nostalgia y el dolor.

Ese fue el recuerdo que me asaltó cuando vi La Misma Luna. Sí, no es una mala película pero tampoco una obra de arte, quizás su argumento no entusiasme a los críticos ni a las cerradísimas mentes de quienes (dicen) se ocupan de ver, juzgar y etiquetar al cine, pero haciendo memoria no recuerdo cuál fue, antes que ésta, la película más reciente que haya tocado el tema de la emigración ilegal mexicana. Por algo llamó la atención del New York Times, arrancó aplausos en el festival Sundance y logró colocarse en Estados Unidos durante su semana de estreno como una de las diez de películas más taquilleras y eso que allá América Ferrera es el nombre más conocido del reparto por ser la Ugly Betty.

La Misma Luna es la historia que conocemos muchos, en carne propia y de oídas, contada desde nuestra perspectiva mexicana y no desde un ángulo hollywoodense con actores mexicoestadounidenses. Sí, ahora la vapulean por ser un melodrama y porque la protagonizan Kate del Castillo y Eugenio Derbez, pero veámoslo a la distancia, en cinco ó diez años quizás la película tome otro valor por lo que es y no por quienes salen. No es lo mismo verla en una sala mexicana con los cuates o la novia que haberla visto en Nueva York, Chicago, Houston o Los Ángeles. Sería interesante saber qué opinan nuestros connacionales, los que están allá, los que saben cuánto duele la distancia y cuan importante se vuelve en sus vidas el teléfono de la esquina.

TRÁFICO HUMANO (HUMAN TRAFFICKING)

2011-05-29T18:57:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Definitivamente es el tipo de película de la que no se ocupan especialistas en cine. Para empezar, ni película es, sino miniserie. Actúan Donald Sutherland, Mira Sorvino y Robert Carlyle, entre otros. A primera vista suena a discurso panfletario, de esos que parecen decir “no te portes mal, ayuda al mundo a ser mejor”, etc. etc. etc. Pero el asunto es simple: ¿y si fuera alguien cercano a ti a quien esclavizaran?

Porque si para algo somos buenos en esto de vivir en sociedad es mostrar indiferencia. No estoy sugiriendo que vayamos en bola a irrumpir en las fábricas o antros de vicio para rescatar a mujeres explotadas, vamos, ni las mismas organizaciones feministas que dicen defenderlas lo hacen. Pero ante la brutalidad de la naturaleza humana ¿qué nos queda? Mínimo, mostrar algo de sensatez.

En el caso que nos ocupa, esta miniserie fue estrenada en el 2005, es de manufactura canadiense y la trama transcurre en cómo secuestran mujeres de la Europa Oriental y Filipinas son llevadas a Estados Unidos para su explotación sexual. ¿Poca cosa? Paralelamente, se cuentan varias historias, una de ellas es la del padre ruso que se interna a ese mundo de depravación en busca de su hija y, por otra parte, están los “buenos”, la agencia investigadora ICE, de Estados Unidos, quienes le siguen la huella a la organización internacional y su cabecilla. ¿Poca cosa?

Es que, la verdad, este tipo de temas suelen darle hueva a los intelectuales y críticos. Si no dirige alguno de sus directores preferidos – del tipo provocador estilo Irreversible - o actores y actrices de certamen o cine independiente, el ninguneo es definitivamente feroz. ¿Sabes qué?, ¡a la tiznada todo eso! Olvidemos que es canadiense, olvidemos a Sutherland, Sorvino y los demás. Démosle concesiones y perdonemos sus yerros o miscasting, sus fallas argumentales y vamos más allá: ¿nos sirve de algo una película como Tráfico Humano?

El mérito es el tema y la forma y fondo para abordarlo. Comercial o no, hollywoodense o no, el tema es tan real y contemporáneo que lo tenemos a la vuelta de la esquina, si queremos verlo. Si esta vez los objetos a comerciar son mujeres del viejo continente, igual se aplica para la explotación que sufren latinoamericanas. Y del diario.

El personaje de Mira Sorvino lo dice, palabras más palabras menos: Estados Unidos es el mayor consumidor de tráfico humano en el mundo. Los estadounidenses deberían pensar más seguido en verse en el espejo. Y nosotros, no pensar que somos impecables y diamantinos. A la otra que vaya a un congal o pida a una prostituta por teléfono, haga lo que quiera, sólo pregúntese si ella es libre.

CANNES: EL CINE DEL MUNDO

2011-05-26T21:08:00.001-05:00

Por Joaquín Peña Arana

“Ah, cómo odio esas películas que las anuncian con ramitas”, y eso lo dijo un tipo que, presuntamente, dice saber de cine. Para mí, evidenció su profundo desprecio a todo lo que oliera a festival. Pero veamos: será el sereno pero para quienes están en el cine el tener unos cuantos premios les ayuda enormidades. Y si vienen de un festival picudo como Cannes, digo ¿cuántos les pueden decir que no?

Sería interesante echarse una vuelta al Festival de Cannes un año de estos, claro, con acreditación y toda la cosa para no ser simple espectador a distancia. Sé de gente que está harta de ir a Cannes porque las películas ya no son tan buenas y el ambiente, uf, les cansa. De vez en cuando me toca leerle a Leonardo García Tsao su desencanto por verse obligado a pasar tantos días en una ciudad porteña francesa de ensueño codeándose con luminarias cinematográficas de talla internacional. Qué sufrimiento. Habría que pedirle un cambalache un día de estos.

Antes, me extrañaba la dureza de los críticos que acuden a cubrir el festival. Me sigue extrañando pero siento que, ahora, los comprendo mejor: así tiene que ser. El juicio en Cannes es severo, y de vez en cuando pueden equivocarse, faltaba más.

Esto, a su vez, me lleva a otra cuestión (ahora el duro soy yo): ¿todo lo que sea premiado por Cannes es bueno? Me he preguntado eso luego de ver Bailando en la Oscuridad o me gustaría hacer el experimento de exhibir Viridiana a gente que le guste el cine pero que no sepan quién fue Luis Buñuel, nomás para ver cómo reaccionan.

El Festival es una especie de circo de tres pistas. Junto con el súper glamour, las pasarelas y reventones a más no poder, Cannes es el espléndido y cotizado escenario para el negocio. De vez en cuando le acontece uno que otro escándalo, de Simone Silva a Lars Von Trier, hay para todos los gustos.

La ineludible virtud del Festival de Cannes es ser la ecuménica convocatoria del cine mundial. No sé cuáles son los criterios de selección que tienen - me gustaría saberlos - pero es evidente que, una vez seleccionados, los nombres que concursan quedan bendecidos para el resto de la vida.

ÉRASE UNA VEZ EN MÉXICO (ONCE UPON A TIME IN MEXICO)

2011-05-16T22:36:00.001-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Lo que más me agradó fue el final.

Y no es mala onda. Es que, después de ver no sólo las películas de Robert Rodríguez, sino en general las que pretende atisbar a la idiosincracia mexicana, no me queda más que suspirar y aceptar que, pase lo que pase, así nos ven y así nos verán. No creo que haya algo que les haga cambiar.

Robert Rodríguez podrá ser criticado por mil y un razones menos por ser un mediocre. O sea, baboso no es. En cuanto logró colocarse con El Mariachi, se supo mover - y muy bien - en el mundillo hollywoodense. No es un secreto que ha formado una especie de cofradía con Banderas, Salma Hayek y Tarantino, además del grupo de actores que se repiten y rotan en las películas de los ya mencionados (Cheech Marin y Danny Trejo, los más recurrentes). Digo, no me da envidia. Qué bueno que tiene chamba.

Rodríguez hace el cine que quiere y como lo quiere. No importa que parezca típico cine mexicanoide, maltrecho, acartonado, caricaturesco, o sofisticadas fantasías aventureras al estilo de Spy Kids. Tiene seguidores que colocan sus películas en categoría de culto, en parte, porque las ven como ese homenaje al spaghetti western que tanto le hacía falta. Pero ¿por qué siempre ese México pseudocostumbrista, de caciques y poderosos, perpetua república bananera? Sé que, en cuanto se cruza la frontera, hay importantes segmentos de la población hispana nacida y criada en Estados Unidos que nos ven así. Es posible que Rodríguez no sea la excepción.

En todo caso, me quedo con dos cosas. Primero, la experiencia que debió resultar para la gente de las locaciones mexicanas: me quiero imaginar el impacto de saber que tenían a tiro de piedra (y verles en la medida de lo posible) a Salma, Antonio, Mickey Rourke, Willem Dafoe, Johnny Depp, Rubén Blades, Eva Mendes, ¡Enrique Iglesias! Y por último, la imagen final de la película. Al menos, El Mariachi ama a México, quizás más que los presidentes que juraron guardar y hacer guardar la constitución política de los Estados Unidos Mexicanos y las leyes que de ella emanen.

¿CUÁL ES EL FUTURO DE LA ACADEMIA MEXICANA?

2011-05-08T14:11:00.001-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Lo que me inquietó, en el momento en que la ceremonia del Ariel se dirigía a la etapa final de su quincuagésima tercera edición, fue la voz de alarma emitida por su presidente Carlos Carrera. Eso de especular que a la Academia le quedan “horas de vida” y “está en riesgo” por las diferencias entre sus miembros y la falta de independencia económica no suena nada tranquilizador.

¿Nos podríamos quedar sin cine mexicano?

Vamos por partes. Su nombre completo es Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográfica, AMACC para la raza. Fue fundada en 1946 por creadores de la época (Celestino Gorostiza, Raúl de Anda, Fernando Soler, Tata Nacho, Gabriel Figueroa, entre otros tantos). Su misión (o espíritu, así lo llaman) es “promover la difusión, la investigación, la preservación, el desarrollo y la defensa de las artes y ciencias cinematográficas”. Desde 1998 están al frente de ella creadores cinematográficos. Jorge Fons fue el primer presidente del comité coordinador, y con él, Pedro Armendáriz, Victor Hugo Rascón Banda, Diana Bracho y Patricia Reyes Espíndola. Pedro Armendáriz pasó a ser presidente en el 2006 hasta el 2010. Carlos Carrera es quien la preside actualmente.

Algo pasa. Y grave. O sólo que la grilla interna esté demasiado gruesa. Porque de otro modo, no vendría al caso lanzar la advertencia.

No quiero dejar de comentar la ceremonia de esta ocasión. De alguna forma, su falta de glamour y las continuas fallas técnicas, de coordinación y ritmo, se compensan al convertirse en la fiesta público-privada de quienes hacen cine en nuestro país. Un acierto, sin duda, que Jesús Ochoa estuviera al frente de la conducción (ojalá así hubieran estado Anne Hathaway y James Franco). ¿Y alguien tiene duda de cuál es la película del año? El puritito infierno. Damián Alcázar se lleva otro para su casa, excelente. Debería ser noticia internacional que derrote a Bardem pero en España y en otros países no parece preocuparles tanto De hecho, la nota fuera de nuestro país fue que una película sobre narcos y violencia le gane a “Biutiful”.

Hay muchas cosas más que apuntar de esa noche (Jorge Fons, Ofelia Murguía, Felipe Cazals, “Abel”, Diego Luna, “Año Bisiesto”, Joaquín Cosío, “Las Buenas Hierbas”, Ofelia Medina, Rodrigo Prieto, ¡y el descubrimiento del “sapo”, uno de los más grandes secretos del cine nacional!) pero falta espacio y las notas de prensa que circularon no hacen justicia a la velada. Ya veremos qué ocurre el año venidero. Ojalá que la comunidad cinematográfica mexicana vuelva a reunirse y haya películas a las cuales premiar. ¿O qué ganamos con la desaparición del cine hecho por los nuestros?

TEPEYAC

2011-05-01T22:05:00.002-05:00

Por Joaquín Peña Arana

¿Qué tiene de extraordinario un filme como “Tepeyac”? Si sabemos verla con ojos de cinéfilo, hay aspectos indudablemente sobresalientes.

El sólo haber intentado recrear una historia estructurada es encomiable, pero “Tepeyac” reúne los requisitos de cualquier producción de su época. ¿En verdad una mera puntada de unos bohemios sin nada mejor qué hacer? Eso afirma una fuente. Le atribuyen la dirección a José Manuel Ramos quien, en todo caso, reclutó a un grupo de personas que , independientemente de sus capacidades histriónicas, tuvieron el entusiasmo y la desinhibición para disfrazarse de soldados, religiosos e indios y ponerse a actuar frente a una cámara. A la distancia, hay polémicas en torno a las acreditaciones. Unos dicen que fue dirigida conjuntamente por José Manuel Ramos, Carlos E. González y Fernando Sáyago; otros, dicen que sólo intervinieron en la dirección Ramos y González.

Con sus 47 minutos reunidos en cinco o seis rollos, “Tepeyac” tiene el doble mérito de ser la primera película mexicana de corte religioso y uno de los largometrajes silentes más antiguos de nuestro país. Por supuesto, cada quien ve la película como quiere verla. Unos ven unas deficiencias espantosas en su realización. Yo no veo tal, no a ese extremo. Ladislao Cortés hizo un trabajo notable en la cámara. ¡Es 1917! Hay paneos, cortes directos que juegan con “magia fílmica”(la pintura que se convierte en un actor, por ejemplo), la toma de una cueva desde el interior de la misma, acercamientos, ¡y qué tal esa disolvencia para que la Virgen se le aparezca al tío de Juan Diego!

No era la intención original, pero el filme toma un sentido documentalista al final, cuando la pareja decide ir a La Villa. Sin querer, recupera cómo era el ambiente social de esa época. La película tranquilamente pudo haberse acabado con el final feliz del retorno del novio, pero todavía se fueron a rodar en directo. La pareja de actores lucha por parecer naturales entre un gentío (¿manifestación primitiva de neorrealismo?).

No quiero dejar de mencionar la musicalización realizada por la UNAM. Vale la pena ver “Tepeyac” con ese fondo sonoro. También, una recomendación para los conocedores: observen la edición del libro que lee Guadalupe, les interesará.

SALVANDO AL SOLDADO PÉREZ

2011-04-24T13:34:00.001-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Sé que hay detractores a “Salvando al Soldado Pérez”. No es de esperarse, para algunas personas carga el principal de los pecados: es mexicana. Eso, de por sí, es lo peor para no pocos de nuestros compatriotas que acuden, voraces, a las salas cinematográficas para tragarse todo lo que tenga letritas y esté en inglés.

El título de la película evoca un súper churro. Ni es churro ni tampoco cine de arte. Eso sí, es mucho mejor lo que Beto Gómez nos ofrece luego de aquella fallida “Puños Rosas”.
Mientras veía “Salvando al Soldado Pérez” por más que lo intenté, no pude dejar de pensar lo de costumbre: “para ser mexicana no está tan mal”. Estamos acostumbrados de sobremanera a que el cine hollywoodense se gaste las millonadas en recrear ambientaciones de tal o cual país o, simplemente, hacer maletas y trasladarse al que les plazca para darle verosimilitud al filme. Cuando una película nacional lo logra – y lo logra tan bien – es de aplaudirse. En el caso de Beto Gómez, aportó una asombrosa y equilibrada combinación de locaciones en el norte de México y rodaje directo en Turquía con lo cual nos hacen creer que están en Irak durante gran parte de la cinta.

¡Claro que hay momentos donde se pasan deveras! Tan sólo en la apertura de la cinta, ¿de verdad van a entrar una bola de empistolados a una clínica de Los Ángeles así nada más?, o en la parte esa donde salta de un edificio a otro con el sonidito del Hombre Nuclear. No inventen. Pero ahora, pasemos al cierre del comentario.

“Salvando al Soldado Pérez” es una parodia tanto del género de narcos como del cine gringo de aventuras. Y contra lo que opinan algunos, hay una historia, un conflicto de familia, cuya única alternativa de solución es, precisamente, esa: “traime a mi hijo”.

Todos los actores están bien en sus respectivos papeles. Es más fácil citar el fatal miscasting de Adal Ramones. No sé por qué Beto Gómez lo convocó nuevamente (ya se la había hecho en "Puños Rosas").

Después de esto, pienso que pueden venir mejores cosas de Beto Gómez. Sí, puede que el guión tuviera altibajos o baches pero hasta el momento, la tendencia de sus películas va hacia arriba.

LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (THE LAST TEMPTATION OF CHRIST)

2011-04-18T22:27:00.002-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Disculpen pero ¿en verdad se puede poner en duda la trascendencia de Jesús de Nazaret? Es fecha que no dejan de estar ocupándose de él: o millones de personas decidieron convertirlo en su guía y modelo o es el juguete predilecto para ser insultado, despreciado, ridiculizado. Y tal parece que jugarle al irreverente, en ocasiones, tiene sus beneficios.

En ese sentido, me permito preguntar ¿De verdad “La Última Tentación de Cristo” es tan grande como dicen?

Vámonos por partes. Cuando Scorsese empezó a filmarla, sabía en la que se estaba metiendo. Debió tener el antecedente de las broncas que tuvo Nikos Kazantzakis cuando publicó su novela en 1951 (yo tampoco sabía que la película de Scorsese se basó en la obra del mismo nombre de este autor griego). La estrenó en 1988 y le llovió por todas partes. Intuyo que para los dogmáticos no era de celebrar eso de mostrar a Jesús temeroso, cobardón, inseguro, trabajando para los romanos (les fabricaba cruces para clavar judíos rebeldes), además de echarse un besote con Judas, retomar los pendientes amorosos que tuvo con María Magdalena, entre otras tantas peripecias. Pongámoslo al revés : si a los (dizque o reales) libres pensadores les hubieran tocado alguna de sus figuras sagradas (las que sean: Rimbaud, Sartre, Beauvior, Camus, Kerouac, Burroughs, etc. etc. etc. ) ¿hubieran respetado una forma diferente de expresión o habrían montado en tremendas coléricas rabietas convocado al linchamiento – real o literario, todo depende de la capacidad de convocatoria – del presunto responsable?

La iglesia católica y demás grupos creyentes en Jesús estuvieron en su derecho a protestar como Scorsese – y en su momento, Kazantzakis – estuvieron en su derecho a defender su obra. Punto. De eso a la censura o a la violencia, pérenme, la onda no va por ahí. Ya ven, aquí en México tardó alrededor de 15 años en que la viéramos en cartelera (la estrenaron casi silenciosamente, más o menos en los tiempos de “La Pasión de Cristo” de Gibson).

No dejo a lado la escalofriante actuación de Willem Dafoe y el soporte maravilloso de Harvey Keytel, el trabajo del cámara Michael Ballhaus, la adaptación del guionista Paul Schrader, la música de Peter Gabriel, aunado a un reparto de lux. Hubo una suma de esfuerzos que se tradujo en un resultado magnífico.

“La Última Tentación de Cristo” es una gran película, pero insisto: si en vez de Jesús el tema fuera otro, ¿de verdad la tomarían como grandiosa o sólo es un cliché más?

TARDE DE PERROS (DOG DAY AFTERNOON)

2011-04-09T13:52:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

Y de pronto: todo salió mal en cosa de unos minutos. Era el golpe perfecto. Eran, también, otros tiempos. Si ahora ocurriera algo semejante no tarda en entrar un equipo SWAT a barrer con todos los que parezcan malos, el circo mediático se hubiera generado no en cosa de minutos sino en segundos, se convertiría en noticia mundial instantáneamente. Y lo olvidaríamos en un par de días.

O. Henry tenía la seguridad que cada persona es “una historia digna de ser contada”. ¿Cuántas como la que inspiró “Tarde de Perros” se escriben a diario?

De los años sesenta a los setenta se dieron pasos gigantescos y fundamentales en la evolución para narrar una historia cinematográfica. Yo siento que el cine estadounidense de los setentas tuvo características muy definidas, herencia de tendencias cinematográficas que le antecedieron concatenado con los movimientos sociales que caracterizaron a la época. Casi se abandonó la disolvencia, como si todo tuviera que ser a corte directo, firme, restándole suavidad a las secuencias. Los contenidos eran historias sin necesariamente final feliz: se favoreció la historia rica en aspectos sociales y de protesta.

“Tarde de Perros” ofrece una dirección impecable. Después de haber debutado exitosamente con “12 Angry Men”, en 1957, Sidney Lumet tuvo varios altibajos hasta que agarró un segundo aire con “Serpico”, en 1973, dirigiendo a Al Pacino. Dos años después, actor y director volvieron a trabajar juntos en “Tarde de Perros”. Pacino hizo pareja con un gran amigo, John Cazale; ambos venían de compartir “El Padrino” y “El Padrino” parte II. Cuando el cine me atrapó, en los años ochenta, noté que no volví a ver a Cazale en película alguna. Tiempo después me enteré que, consumido por el cáncer, había muerto luego de hacer “El Francotirador” (The Deer Hunter).

Pacino y Cazale obsequiaron grandes interpretaciones. Sidney Lumet, una película inolvidable.

VIRTUDES TÉCNICAS DE PRESUNTO CULPABLE

2011-04-03T20:32:00.000-05:00

Por Joaquín Peña Arana

¿Alguien me puede informar si Roberto Hernández y Layda Negrete han explicado en algún lado qué hicieron para lograr los permisos que les autorizó meter cámaras y micrófonos al Reclusorio Oriente? No tengo que decir que el triunfo del documental es el atisbo a la entrañas del sistema judicial mexicano. Eso ya lo sabemos. Eso ya lo leíste en varias partes. Eso ya lo viste, si es que fuiste a verla.

En mi caso, sinceramente, no pude separar contenido de estética. Y en Presunto Culpable no hubo improvisados ni principiantes detrás de las cámaras.

Porque durante las audiencias hay dos cámaras. Y nada de una camarita ahí a la mano, es una en tripié y de buen formato. La otra – y eso sí que es extraordinario – está con Antonio Zúñiga dentro de la rejilla. Eso nos da un inédito punto de vista. Nos hace cómplice y compañero del acusado. El sonido durante estas comparecencias es fundamental, se capta el audio de todos: juez, testigos, acusado, abogados, familiares . El juez Héctor Palomares trae micrófono lavarier; es evidente que hubo un proceso para colocárselo, luego entonces, cooperó para ello.

Esa es la palabra: cooperar. ¿Cómo se logró que el sistema dejara entrar no una sino dos cámaras y al menos dos micrófonos? Además, la cámara estuvo años siguiendo a Toño durante la dura vida en prisión. ¿Una cámara que se mueve con “libertad” dentro de un reclusorio? ¿Acaso las autoridades se acostumbraron tanto a los intrusos que pensaron no representarían peligro?

Recuerdo que cuando vi el plano secuencia en que Antonio Zúñiga, decepcionado por el primer fallo en contra, regresa por el túnel que le lleva de nuevo al interior del reclusorio y se detiene para recargarse en la pared, pensé “si el camarógrafo es abuzado, va a abrir la toma o se hará para atrás para lograr un efecto de soledad”. Dicho y hecho. No soy clarividente: la experiencia ofrece algunas virtudes.

Del resto, pues, ya se ha y seguirá hablando. Algunos piensan que detrás del esfuerzo de sacar del bote a Antonio Zúñiga hubo un efecto propagandista o ególatra de los esposos Hernández Negrete. De ser así, se tomaron demasiadas molestias. Claro que no todos van a elogiar a Presunto Culpable y hasta cierto punto es sano en tanto no se caiga en locuras o descalificaciones estúpidas. No crean, yo también tengo algo de reservas, a mí también me llamó la atención que de la noche a la mañana los medios de cobertura nacional se interesan tanto en el tema. ¿De cuándo acá? Y luego, el escándalo del intento por sacarla de cartelera le dio el empujón que le faltaba para que Presunto Culpable interesara más allá de nuestras fronteras.

Cuando fui a verla, contra lo que pensé, no había enormes filas y no pasábamos de diez las personas en la sala. Los comentaristas, columnistas y periodistas siguen haciendo juego de palabras con el título pero pronto lo dejarán para ocuparse de otros asuntos. Lo demás, pues, queda en que no se nos olvide tan rápido, como se nos olvidan tantas cosas. ¿Se acuerdan de Aguas Blancas? Y ahí no fue necesario que encuadres llenos de plasticidad nos transmitieran la sensación de brutalidad y muerte.

Quizás deberíamos empezar por exigir que, cuando estemos en la cárcel, no comparezcamos detrás de una rejilla. Desde ahí ya somos culpables hasta que se demuestre lo contrario.

LIZ

2011-03-27T11:34:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Jamás he estado en Puerto Vallarta. Desconozco si, en verdad, era en los años sesenta una población casi aislada del resto del país. No sé qué tan cierto es que, cada una o dos semanas, una avioneta llevaba víveres y mercancías que de otra forma no hubiera podido llegar. Me gustaría comprobar lo que me dijeron hace poco: ante la falta de una carretera, Elizabeth Taylor mandó a hacer una para el pueblo.

Es el tipo de leyendas que me cuentan personas diez o veinte años mayores que yo y vivieron intensamente aquella época en que las estrellas de cine en verdad eran estrellas de cine: míticas, fulgurantes, carismáticas. Tal parece que, hasta la fecha, Puerto Vallarta sigue en deuda con Taylor y Burton. Y todo se originó por los caprichos de John Huston.

Tan fácil que hubiera sido filmar La Noche de la Iguana en cualquier parte que diera el gatazo, pero no ,él quería lo más cercano a la obra de teatro de Tennesse Williams. Y ahí tienen a todo el equipo viajando y abriéndose paso por la selva jalicience hasta llegar a Puerto Vallarta. ¿Dónde?, eso fue lo que se preguntaron no pocos en México y en el resto del mundo. Pero nomás agarraron un mapa y la prensa mundial llegó a cubrir la presencia de las estrellas de Hollywood que se veían fuera de contexto en un lugar sin hoteles de cinco estrellas, grandes boutiques ni avenidas, aunque tampoco era un lugar de pobreza extrema. La casa que Elizabeth y Richard habitaron ya estaba ahí cuando escogieron vivir en Puerto Vallarta.

No sé si ellos salían a pasear a los alrededores o vivían aislados del resto de todo. Habría que preguntarle a los lugareños. Pero parece que a los medios se les olvidó echarse un viajecito para averiguarlo ¿o alguien vio o leyó algún reportaje sobre la presencia y legado que dejaron al lugar Elizabeth Taylor y Richard Burton? Al menos recuperaron el extraordinario episodio del niño mexicano que la pareja “adoptó”. No me puedo imaginar a Liz cocinando para él, como una mamá cariñosa, aunque quizás debería: hasta donde sé, no acostumbraba asumirse como diosa aunque el resto del mundo así la tratara.

Y YO QUE BUSCABA UNA PORNO

2011-03-20T22:59:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

En mis años mozos, hubo un circuito de cine pornográfico, o algo parecido. Por ahí debe haber quienes, todavía, recuerdan que las eróticas de hace más de 20 o 30 años las pasaban en funciones de medianoche (bueno, en mi ciudad natal así era). Pero ya en los ochentas y noventas, programaban películas en horarios “normales”. En una de esas fui a ver una película súper eroticototona.

¡Válgame! ¡Qué cosas! ¡Qué historias tan raras! “Lo que inventan para tratar que haya una trama”, se me hace que llegué a pensar: un escritor gringo vive en Francia durante los años treintas. Aunque está madurón, tiene el frenesí sexual de un puberto. Conoce a una pareja gringa y se mete con la esposa la cual, por cierto, también escribe). Ah, y aparte, el escritor tiene su propia esposa que va y viene. Y dentro de todo, el tipo escribe su obra maestra.

Qué alucines.

Pues ojalá todas las porno tuvieran en el reparto a Fred Ward, Maria de Medeiros, Uma Thurman,Richard E. Grant, Kevin Spacey y las dirigiera Philip Kaufman, porque tendrían el calibre de Henry & June. Ahora que la veo (y la vuelvo a ver y la vuelvo a ver y la vuelvo a ver) lamento tanto no haber tenido conciencia de quiénes fueron Henry Miller y Anais Nin. Independiemente de las escenas en que salen en balón, me captura el acercamiento al proceso creativo de dos grandes figuras de las letras y la complicidad erotico-literaria que tuvieron.

Ya estaba un poco más metido en el cine como arte cuando fui a ver Jamón, Jamón. Si mal no recuerdo, estaba más o menos recién llegado a la ciudad donde me fui a trabajar cuando leí en alguna parte una referencia de la peli de Bigas Luna y, coincidencias de la vida, la vi anunciada en un cine el cual, hace mucho, había visto sus mejores años. ¿Eran los tiempos de doble función o permanencia voluntaria?, porque recuerdo haber visto a un grupo de hombres silenciosos, todos de pie, como un archipiélago: distantes unos dos o tres metros entre sí, con miradas que constantemente aterrizaban en el suelo. Claro, no eran el tipo de personas con las que uno se pondría a comentar qué tan buenas estuvieron las actuaciones de los, entonces, hiperjovencísimos Penélope Cruz y Javier Bardem.

Algo similar me ocurrió con El Amante Bilingüe. Y qué cosas, recuerdo que en mis años universitarios joyas como Canoa o Auandar Anapu las tuve que ver como película de relleno. A ver si, por aquello que cumplirá 40 años, reestrenan El ÚltimoTango en París en el 2012. Claro, si el mundo no se acaba antes.

¿POR QUÉ ANTICIPAR EL RÉQUIEM?

2011-03-13T16:37:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Hace poco vi, otra vez, Réquiem por un Sueño. Sinceramente, no me acordaba que el elenco de la que, en su momento, era la película que había que ver, estaba integrado por Jared Leto, Jennifer Connelly y Marlon Wayans.

¿Hay alguien por ahí que, tan sólo al escuchar estos nombres, tenga ganas de vomitar?

Es que son las vueltas de la vida. En su momento, fueron las personas idóneas para el trabajo de Darren Aronosfky. Lo de comentar la película lo dejaré para otra ocasión. El tema a proponer es: qué juzgamos y con base en qué.

Volvamos con los actores. ¿Se les puede reprochar a Leto, Connelly y Wayans su desempeño en el filme (Ellen Burstyn no entra en el paquete, es punto y aparte). No veo elementos para objetarles su trabajo. Pero…¡ah!, díganle a algún advenedizo de esos que (dizque) se las dan de intelectuales chocantes “oye, te invito a ver una película bien chida, salen Jared Leto, Jennifer Connally y Marlon Wayans”. Casi lo estoy viendo: “¿Quién, Leto? ¿Ese que tiene cara de idiota, el que sale en Alejandro y en La Habitación del Pánico? Y déjame ver, esa Jennifer es la tarada de Hulk, el bodrio ese de Ang Lee, y creo que salió también en la porquería de Una Mente Brillante. ¿Sabes qué?,no gracias. Fíjate que conozco películas y actores mucho mejores”.

Imagínense si le explico que Marlon Wayans es el de ¿Dónde Están Las Rubias?

Me dijo alguna vez una escritora que ella no veía cine comercial sino sólo cine de arte. “Ah, entonces ves puras de Takeshi Kitano”,le dije. Me vio con no sé qué mirada de juicio, severidad o a lo mejor, muy en lo profundo, se preguntó ¿quién ingaos es ese? Y qué tiene si no lo sabía.

Yo estoy convencido que, en esto del cine, no estamos obligados a saberlo todo ni tampoco a que nos guste todo. PERO…tampoco tenemos por qué rechazar a las primeras de cambio.

Démosle la oportunidad al filme. Luego lo hacemos trizas o elevamos a joya inmaculada, ya cuando estemos más tranquilos.

BASILISCO: EL REY DE LA SERPIENTE

2011-03-06T20:51:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Es que, la verdad, uno no entiende cómo está la onda. Con frecuencia pensamos que TODO TODO TODO lo que viene de Estados Unidos es, ay, SUPERIOR, FORMIDABLE, ES BUENO POR SÍ MISMO. ¿Cómo me dijo el compañero de trabajo la otra vez?, ah, ya me acordé: si un mexicano tiene una idea, esa misma idea ya se le ocurrió a un americano hace veinte años (ajá).

¿Entonces una película como Basilisco: Rey de la Serpiente es súper fregona sólo por su nacionalidad? No inventen.

Recupero lo que he dicho en otras ocasiones: hacer una película es una gran suma de esfuerzos. Requiere inversión, preparar actores, vestuario, ensayos, escenografías, etc. etc. No son enchiladas. En un país como Estados Unidos, donde tienen súper aceitada la máquina de producir entretenimiento, uno pensaría que cualquier producción, por modesta que sea, está bien cuidada. Es que tan sólo ver la escena en que el basilisco cobra vida y lo que sigue me provoca hacer una serie de cuestionamientos.

Por ejemplo, este churro al que hago referencia creo que no es cualquier cosa. De acuerdo a las fuentes, es una producción para el canal Sci Fi. Uno creería que un canal de paga sería más exigente con la calidad del producto final ¿o se les chispoteó?

Y uno revisa quiénes aparecen y se descubre que no es un casting cualquiera, bueno, es gente que tiene camino ya labrado, como Jeremy London o Wendy Carter. ¿Vieron la de Animal House?, ubican entonces a Stephen Furst, quien además de actor dirige cosas como el culebrón basilístico este. A veces me da la impresión que fue dirigida por dos o tres directores diferentes.

A lo mejor me equivoco y, con el tiempo, Basilisco: Rey de la Serpiente se convierte en una joya de algún subgénero de otro subgénero, al estilo de las películas de Ed Wood. Empero, no dejo de preguntarme cómo una industria como la estadounidense saca al mercado productos de tan bajo perfil.

Van a decir que en México no se puede producir algo así. La verdad no. Del Toro demostró hace mucho que con menos dinero y recursos pudo hacer algo mejor. Quizás la diferencia es el talento.

10 000

2011-02-28T19:42:00.000-06:00

GRACIAS POR HACER QUE APUNTES DE CINÉFILO LLEGUE A SUS PRIMERAS 10 MIL ENTRADAS.

KIRK, BIUTIFUL Y ANEXAS

2011-02-28T16:38:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Pese a todo lo que dicen quienes lo desprecian y/o lo odian, Alejandro González Iñárritu tiene algo a su favor: fue sincero al decir, desde un principio, que no se consideraba ganador del Oscar.

Y no. No creo fuere expresión del clásico enanismo mental mexicano. Aullaban sus detractores que su nominación era producto más de sus relaciones que la calidad de la obra. ¿Entonces el director de la película danesa tiene más amigos en Hollywood que el Negro?

“Hay gente que hace películas de las que nadie habla”, dijo Natalie Portman, refiriéndose al ejército de hombres y mujeres que, cuasi en el anonimato, ayudan a construir las películas. Valdría la pena no olvidarlo, ¿no creen?

Kik Douglas. Me emocionó verlo aparecer en el escenario, haciendo lo que la gente de su edad y categoría hacen: lo que se le vino en gana. Notable su lucidez, alegría, fortaleza. ¡Dios! Es que lo hubieran visto cuando le dieron el Oscar honorífico, ahí ya parecía que los quebrantos de la vejez amenazaban por desmoronarlo y mírenlo a sus 94 años.

¿Y será en verdad que estamos ante el nacimiento de una estrella?, porque así escuché que profetizaban el futuro del greñudo Luke Matheny, ganador del Oscar por Mejor Cortometraje. ¿Será? Bueno, no parece un improvisado; ya tiene unos añitos involucrado en hacer películas. Si eso ocurre, está bien. Qué bueno que lleguen nuevas generaciones a renovar el ambiente.

Del resto, pues, ya se encargaron los demás. ¿O nos sumamos al linchamiento a James Franco?

¿VADE RETRO, OSCAR?

2011-02-20T16:06:00.000-06:00

Conocí a un par de personas quienes, hablando de películas, coincidieron en lo mismo: “odio esas que tienen un montón de premios y aparecen con ramitas (se referían a las guirnaldas)”. Palabras más, palabras menos. Pienso que, en ese aspecto, era una pareja de idiotas.

Es como despreciar al cine por su nacionalidad, idioma o género.

Pero como en esto no todo está escrito, pregunto: ¿debo pensar que si a una película le preceden quién sabe cuántos premios, menciones honoríficas y competencias, se trata de una obra aburridísima, incomprensible, detestable?

Mmm…no creo. Pero, luego entonces ¿a poco los premios garantizan?

Hagamos una prueba.

Ahí va una lista de películas: El Campo de Los Sueños, Mi Pie Izquierdo, La Sociedad de los Poetas Muertos, Crímenes y Pecados, Una Árida Estación Blanca, Henry V, Shirley Valentine, Magnolias de Acero, Enemigos: una Historia de Amor, Nacido el Cuatro de Julio.

Ahí va otra: La Guerra de los Roses, Átame, Talvisota/The Winter War, The Nasty Girl, Karaul, Creadores de Sombras/Fat Man and the Little Boy, Los Ángeles, Black Snow, Saliendo del Clóset/Coming Out, Silent Scream.

¿No las recuerdan? ¡Por favor, si somos cinéfilos de hueso colorado! No se nos va una.

El punto es que estas dos listas tienen algo en común: las cintas ituvieron algún tipo de nominación o estuvieron en competencia.

Es posible que el primer grupo les suene más familiar. Fueron algunas de las nominadas al Oscar en 1990. El otro corresponde a la Berlinale de ese mismo año, claro, una lista más oscura y poco conocida, pos qué esperaban.

¿Qué ha sido de estas cintas? Es muy probable que El Campo de Los Sueños, Mi Pie Izquierdo y La Sociedad de los Poetas Muertos las encontremos en algún Blockbuster (de los que todavía hay,porque parecen tener sus días contados; de eso hablaré en otra ocasión) o las transmitan en los canales culturales o en algún sistema de tele de paga. Pero ¿algunas vez se han tropezado con las de la Berlinale?

Ah, se me pasaba. En 1990 la ganadora del Oscar a la mejor película fue El Chofer y La Señora Daisy/Driving Miss Daisy. Fue superiora a Nacido el Cuatro de Julio, La Sociedad de los Poetas Muertos, El Campo de los Sueños y Mi Pie Izquierdo.

En cuanto a la Berlinale, la gran ganadora fue Music Box, de Costa-Gavras. ¡Ay, no me digas que no la tienes en tu filmoteca particular! Porque yo tampoco.

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS/YOU WILL MEET A TALL DARK STRANGER

2011-02-13T22:20:00.003-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Que ya tiene 73 años, está viejito, se le acabó la creatividad. Que ya no da para más. Sí, es posible que todo eso y un poco más sea cierto…pero ¿importa acaso? Es Woody Allen.

Seamos francos en la medida de lo posible: ¿qué tanta distancia vemos entre Conocerás al Hombre de Tus Sueños y Vicky Cristina Barcelona?

Es posible que, últimamente, los guiones de Woody Allen no nos sorprendan pero creo que tienen buen acabado, aunque la voz en off le facilita la existencia para ligar escenas o iniciar y cerrar argumento. Sin embargo, hay estructura, examen de los personaje y construcción de los mismos. Alguien tiene que llevar el eje de la película (en este caso,Helena) pero no hay protagonista: hombres y mujeres entran y salen constantemene en tanto se desarrollan los acontecimientos del entrecruce de sus vidas.

Quien no tenga la paciencia suficiente corre el riesgo de echarse la más grande de sus aburridas, pero bueno, es cosa de percepción. Como millones alrededor del mundo, fui a ver Avatar y me salí más o menos en la parte que Jake Sully es aceptado en la aldea. ¿Qué me pasó?, simple: me dió sopor la debilidad de su guión. Quizás un día la vea con calma en la casa.

Me llama la atención que no hay actor que se resista a sacrificar su ego a cambio de trabajar con Woody Allen. Anthony Hopkins, Antonio Banderas, Gemma Jones, Naomi Watts, Josh Brolin. En cuanto a Allen, ya viene la de Midnight in Paris. Veremos qué más nos tiene preparado.

Allen sigue todavía lejos de la mediocridad.

CIUDADANO KANE…una brillante obra maestra con un pequeño e insignificante error

2011-02-13T19:22:00.002-06:00

Por Joaquín Peña Arana

¿QUEEEÉ? ¿Pero quién osa hacer señalamientos a la película que por décadas ha sido considerada como la mejor del mundo? ¿Cómo es posible semejante sacrilegio? ¿Se trata de otro atormentado émulo de cineasta que, al ver frustadas sus aspiraciones, se desahoga martirizando las películas que ve ocultándose en el ropaje de crítico de cine?

¡Uf! Afortunadamente no. Yo solo soy alguien que ama al cine por sí mismo. Y cuando amas a alguien, le llegas a aceptar con sus virtudes…y defectos.

Para empezar, no queda duda: “Ciudadano Kane” representa uno de los mayores aportes a la creación cinematográfica de todos los tiempos. En 1941 Orson Welles tenía 26 años pero era ya un monstruo de la creación artística en toda la extensión de la frase. Dos años antes había paralizado a Nueva York con su audaz montaje radiofónico de “La Guerra de los Mundos” y sobresalía en la escena teatral neoyorquina. Con esa fama a cuestas llega a Hollywood donde lo recibió la RKO con un jugoso y ventajoso contrato para realizar películas. Habiendo tantos temas, Welles escogió plasmar en la pantalla una especie de indirecta biografía de uno de los poderosos y temidos hombres de la época: el magnate del periodismo William Randolph Hearts.

¿Qué hace tan especial a “Ciudadano Kane”? Quizás contribuyó a ello la audacia de Orson Welles y su novatez en el ámbito del cine. Todo le era nuevo ¿qué podía perder? Con el apoyo de un genial fotógrafo como Greg Toland y el guión que escribió con Edward Mankiewicz, la película utilizó recursos nunca antes vistos: uso de lente angular, disolvencias insospechadas para ligar escenas, “techo” en las escenografías, colocar la cámara en ángulos inverosímiles. La fuerza narrativa de la película para reconstruir la vida del ficticio Charles Foster Kane sigue impulsando hasta hoy a no pocos que ven en la obra cumbre de Welles una inspiración.

Entonces, ¿en qué radica el “error” del que tanto hablas, Joaquín?

La película inicia con la muerte de su protagonista. Charles Foster Kane agoniza, pero antes musita una palabra: rosebud. De su mano cae una esfera de cristal que simula un paisaje nevado. La esfera se rompe. Entra una enfermera. Le toma el pulso. Comprueba que ha muerto y lo cubre. El resto de la película es la lucha de un periodista por descubrir qué era “rosebud”. Repetidamente se insiste en que esa fue la última palabra que dijo Kane antes de morir…pero en realidad no había alguien en la habitación que la hubiera escuchado. Cuando pronunció “rosebud” Kane no lo dijo en voz alta, apenas lo balbuceó. La enfermera no estaba en la habitación, entró después, atraída por el ruido.

¿Cómo saben todos que fue la última palabra si nadie la escuchó?

Bueno, un error lo comete cualquiera. Hasta Orson Welles.

(Publicado originalmente en el periódico El Mañana de Matamoros en la primera semana de octubre del 2006)

GONZÁLEZ IÑÁRRITU...¿EL AMIGO DE TODOS?

2011-02-06T19:52:00.001-06:00

Por Joaquín Peña Arana

La semana pasada examinaba la irrupción de Biutiful en la categoría del Oscar a la Mejor Película Extranjera, contrastándolo con las duras críticas que recibió. ¿Cómo le hizo González Iñárritu, pues no que su carrera va hacia abajo y la película es chafa?

Dejé abierta la posibilidad que alguien nos iluminara.

Un visitante a Apuntes de Cinéfilo, quien firmó como JVG, nos comparte su visión de las cosas. Transcribo tal cual:

“El oscar es un premio a la popularidad, no un reconocimiento tal cual al cine de arte, creo que si quisieramos hablar de reconocimiento de arte, hablaríamos de cannes, en el caso de el oscar, Inarritú como buen socializador cada vez se hace de más amigos y ellos votarán por el, es un reconocimiento a su popularidad, no a su oficio tal cual, creo que cada vez se vuelve más autocomplaciente, le hace falta darse un buen frentazo para que retome la garra y rabia de amores perros”.

No creo que González Iñárritu sea la pura verdad o una especie de mesías infalible, pero tampoco lo suficientemente popular entre los habitantes de la jungla hollywoodense como para que voten por él porque es buena onda. Tampoco Biutiful es el tipo de película que arrastre multitudes. El cine es arte pero también industria, más en Estados Unidos. Si el asunto es premiar la taquilla, las categorías estarían monopilizadas por Eclipe, Toy Story 3 o Alicia en el País de las Maravillas.

Coincidio con el compañero JVG que, quizás, le hace falta al Negro tropezarse de vez en cuando. Corre el riesgo de malacostumbrarse.

En esto de hacer comentarios, sobran quiénes se lanzan a destrozar con fauces y garras. No es mi caso. Pero cuando a alguien siempre le salen bien las cosas está así de perder piso, alucinar regacho y entrar en un soberbio estado de autocomplacencia.

BIUTIFUL: ¿NO QUE NO?

2011-01-31T22:10:00.000-06:00

Por Joaquín Peña Arana

Cómo está la onda? Porque yo todavía siento calientitas calientitas las duras críticas que Biutiful recibió, recién estrenada. Eso sí: a la vez que había intentos de sepultar la carrera de González Iñárritu y llamar a Guillermo Arriaga como bateador emergente, coincidían en que lo mejorcito lo mejorcito era la actuación de Bardem. “El resto, para olvidar”, palabras más, palabras menos. ¿Entonces la nominación al Oscar qué fue, un regalo para que no se deprima el pobre?

“Pero si serás bruto. ¿Qué no entiendes que en hollywood lo único que importa es el billete? ¡Esa nominación es producto del cabildeo, tráfico de influencias, pura corrupción!” Ah, caray, cómo no me di cuenta antes. Porque si a esas nos vamos, entonces González Iñárritu es algo así como un Santo Grial por el que vale invertir todo el dinero del mundo y las productoras son capaces de todo. “El Negro se compró la nominación”. ¿Ah, sí? ¿Cómo? ¿Puso de su propio bolsillo o le pidió a Nike que se mochara para la mordida? “Es la academia mexicana la corrupta y también la española: las dos se confabularon para conseguirle la nominación”. Ahhh bueno. Si ese es el asunto, entonces ¿por qué no compraron de una vez la nominación a Mejor Película? Y de paso también la Copa del Mundo, háganle el favor completo al país.

Si alguien tiene el total convencimiento que hubo truco y la nominación es producto de puros malditos intereses y (ojo) tiene la capacidad para demostrarlo, por favor, háganos el inmenso favor de hacérnoslo saber. Me comprometo a colocar su respuesta en este espacio para que todos y todas nos enteremos de las oscuras y perversas complicidades en la industria fílmica mundial.

Ah, y no se me pasa el pequeño, pequeñisimo detalle de cómo Biutiful, una película filmada en España con actores españoles representa a México. Pero eso lo discutimos otro día, ¿sale?